ESGARRO

A principios de 1972, el camaleónico David Bowie se reinventó a si mismo y se transformó en Ziggy Star-dust, un alienígena andrógino que se erigió en un ar-tista víctima de las tentaciones del estilo de vida del rock and roll. Con Ziggy –un personaje que reinó en el planeta Tierra durante 18 meses y 2 elepés–, Bowie se anticipó a todas las modas con sus peinados y vestimentas femeninas. Pero, sobre todo, sacó ventaja de su imagen para lucirse y adaptarse a las necesidades de su creación. A finales de 1973, Ziggy desaparecía para no volver nunca jamás...

Bowie asegura que «el glam-rock era algo divertido, al menos al principio... aún recuerdo con inmenso placer a muchos albañiles que se animaron a ponerse leotardos y se contoneaban arriba y abajo por la calle».

La ficción y la realidad son dos constantes en la trayectoria de David Bowie. De hecho, Ziggy Stardust es el paradigma de la confusión con la que le gusta jugar al artista. Para no distinguir la realidad de la ficción y acabar de desorientar a su público, Bowie se disfrazó de superestrella de rock llegada del espacio. En realidad el espíritu de estrella estuvo presente en el cantante mucho antes que su fama. Al principio de su carrera, decidió cambiarse el nombre –David Robert Jones– por David Bowie ya que por aquel entonces habia otro David Jones conocido, el cantante de The Monkees. Sin embargo no tardó en saltar a la fama. Antes del lanzamiento de su primer álbum como Ziggy Stardust –The rise and fall of Ziggy Stardust (1972)–, Bowie ya empezaba a ser un personaje polémico. Así, declaró abiertamente su homosexualidad para rectificar más tarde y afirmar su bisexualidad. Eso le sirvió para vender muy bien el álbum anteriormente citado, considerado por muchos como uno de los mejores de su discografía. Este trabajo muestra uno de los momentos de mayor apogeo del glam-rock, con David Bowie a la cabeza.

Ahora se cumplen 30 años de la desaparición del polémico Ziggy Stardust y, por ese motivo, se acaban de reeditar dos discos que conmemoran su trepidante carrera: Ziggy Star-dust and the spiders from Mars (1972) y Aladdin Sane (1973), algo así como una evolución a la americana del propio personaje. Estos fueron sin duda dos de los álbumes que más han influido en la música pop posteriormente. David Bowie no iba desencaminado cuando proclamó: «El siglo XXI empezó en 1972», al menos para unos pocos.

Ziggy Stardust and the spiders from Mars (1972) es la banda sonora del film que recoge el concierto que cierra la gira de The rise and fall of Ziggy Stardust en el Hammers-mith Odeon de Londres. Este concierto fue el recital de retiro de Ziggy. Pero, ¿de dónde surgió Ziggy Stardust? Tenemos algunas pistas para adivinar quien inspiró a ese astronauta bisexual abanderado de la modernidad. Algunos dicen que es fruto de la gran devoción que sentía Bowie por personajes como Andy Warhol o su eterno ídolo, Lou Reed –quien a su vez, también le rendía una profunda admiración–. No obstante, el personaje que más influyó en la creación de Stardust fue el excéntrico y prácticamente desconocido Vince Taylor, rockero estadounidense que derrochaba belleza y sensualidad. Un ser violento, con una imagen futurista y andrógina, exhibiendo boas de plumas, trajes galácticos y maquillaje. Una de las anécdotas de Taylor cuenta que, enajenado por las drogas, despidió a su banda en mitad de una actuación proclamando a gritos que era el mismísimo Mesías. De ahí surgió la inspiración para componer canciones que reflejan el arquetipo de estrella de rock superada por la magnitud de su éxito.

David Bowie perteneció a esa nueva generación de rockeros de los 70 que complementaban su música con una puesta en escena y una estética muy particular, al igual que Iggy Pop y The Stooges –en Estados Unidos– o Marc Bolan y T-Rex –en Inglaterra–. Hoy en día, aún podemos ver las huellas del glam entre algunos de los herederos de esa tradición, como los grupos británicos Placebo o Suede.

Tom Waits es uno de los músicos y creadores más inclasificables de todos los tiempos. Su música es una mezcla de blues, jazz, rock, y miles de estilos más a los que sumados a su voz rota nos da una mezcla del todo heterogénea e imposible de imitar.
Según la leyenda Tom Waits nació en un taxi el 7 de diciembre de 1949 en California.
De joven trabajaba en pubs nocturnos, entrando en contacto con el blues, el jazz y el alcohol, más tarde empezó a tocar el piano por los bares.
Fueron los inicios como músico de uno de los más geniales compositores y cantantes de la historia. Supongo que unos inicios no muy diferentes a los de muchos otros músicos americanos.
Su voz en sus canciones es otro instrumento más, usándola como no he escuchado a ningún otro cantante hacerlo. Una voz ronca que expresa multitud de tipos de sonidos, quejidos, lamentos, desesperación. Hay que escucharla para comprender a qué me refiero. Y si a su voz le sumamos los extraños instrumentos que toca, nos sale una combinación sorprendente y genial.
Sus canciones siempre hablan de típicos personajes marginales de las calles, Tom Waits siempre ha sido un gran admirador de Bukowski y eso se nota en muchas letras de sus canciones, se nota que los dos han recorrido mucho las calles.
Afortunadamente Tom Waits tiene una inmensa discografía desde que editase su primer disco en 1973.
Su discografía es la siguiente:

“Closing Time” 1973
“The Heart Of Saturday Night” 1974
“Nighthawks At The Dinner” 1975
“Small Change” 1976
“Foreing Affairs” 1977
“Blue Valentine” 1978
“Heartattack And Vine” 1980
“ One From The Heart” 1982
“ Swordfishtrombones” 1983
“ Rain Dogs” 1985
“ Frank’s Wild Years” 1987
“ Big Time” 1988
“ The Early Years Vol 1 & 2” 1991/92
“ Night On Earth” 1992
“ Bone Machine” 1992
“ The Black Rider” 1993
“ Mule Variations” 1999
“ Alice / Blood Money” 2002
“ Real Gone” 2004

Tom Waits tiene una discografía tan extensa e inclasificable como ninguna otra. Y de una calidad absoluta, puede afirmarse sin exagerar que nunca ha grabado un mal disco y que todos ellos son obras maestras absolutas.
Su música no es fácil de escuchar, no es comercial si no todo lo contrario. Es oscura, absorbente y maravillosa.

Un genio.

Led Zeppelin definió lo que se ha convertido en rock duro y heavy metal, ganándose un lugar en la historia de la música como una de las más grandes bandas. Surgiendo en Gran Bretaña al mismo tiempo que en Bay Area pegaba la psicodelia, Led Zeppelin romperían todas los límites del rock tradicional.

Cuando The Yardbirds se separaron en 1967, Jimmy Page funda junto al bajista Chris Dreja los que en principio se llamaron The New Yardbirds. El hecho de llamarse así se debe a que Jimmy y Chris se ven en la obligación legal de cubrir los conciertos que los Yardbirds tenía contratados antes de la separación. Por consejo de Terry Reid, Page acude a escuchar a un joven cantante llamado Robert Plant, que en aquella época cantaba en una banda llamada Hobbstweedle. Casi inmediatamente, Plant es llamado a la banda y en agosto de 1968 se convierte en el frontman. Justo por esa época Dreja abandona y John Paul Jones toma su lugar como bajista. Ahora todo lo que la banda necesita es un buen batería. Después de un mes de cortejos, Page convence a Jobn Bonham para unirse al proyecto.

El origen del nombre de la banda es curioso, parece ser que la idea surgió del batería de The Who, Keith Moon (fallecido en 1980), para un proyecto propio y fue plagiado por Jimmy Page, cosa que a Keith no sentó nada bien. Aún así, el nombre correcto de la banda iba a ser Lead Zeppelin, pero finalmente Peter Grant, el manager de la banda decide cambiar Lead por Led para que los americanos lo pronuncien bien.

Después de algunos conciertos, ya bajo el nombre de Led Zeppelin, la banda entra en el estudio para grabar lo que será su primer álbum en tan solo 30 horas. Corría octubre del 68, y justo al final de año Led Zeppelin firma un contrato con Atlantic Records y empieza a girar por los Estados Unidos.

Cuando el primer album sale en Enero de 1969 se encarama a los primeros puestos de las listas de ventas con su libre, psicodélico y heavy estilo de rock, En este momento la banda comienza a ascender a su status de dioses. Aunque Led Zeppelin están girando durante un largo año, aún les queda tiempo para grabar lo que será su segundo álbum, titulado II. Como en el primero, este disco alcanza el número 1 en las listas y se mantiene durante 7 semanas.


Dando un paso atrás en su dirección musical, la banda enfoca más el aspecto místico del folk británico en su tercer álbum, III , que apareció en Octubre de 1970. Pero no es hasta el álbum sin título (se le conoce como IV), publicado en noviembre de 1971, cuando la banda se consagra definitivamente. También es en este álbum cuando la banda produce sus mayores éxitos: Stairway to Heaven, Rock and Roll y When th Levee Breaks. Éste se convierte en el mayor álbum de Led Zeppelin, vendiendo más de 22 millones de copias hasta la actualidad.

En la primavera de 1973, la banda rompe con su tradicional convenio de nombres para los álbumes con Houses of the Holy. Aquí experimentan con funk o reggae fusionados con su música tradicional. Este álbum se convierte automáticamente en número 1 a la vez en EEUU y Gran Bretaña. Mientras giran para promocinar el disco, se graban varios conciertos que darán lugar en 1976 al film documental The Song Remains The Same.

En esta gira la banda se inscribe en el libro Guinness al batir el record de asistencia de público a una sola banda que ostentaban los Beatles, pero lo que realmente tiene mérito es que la zeppelinmania desatada en todo occidente se ha alcanzado sin publicidad alguna, ya que las portadas y los programas de televisión siempre los copan los Rolling Stones y las estrellas de la época. Además siempre se han considerado enemigos de los singles, hasta el punto de que nunca se editó como single su canción más famosa, Stairway to Heaven.

Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crean en 1974 su propio sello Swan Song. A partir de ahora la banda hace todas sus grabaciones bajo este sello, siendo el siguiente álbum Physical Graffiti en Febrero de 1975, el cual es el mejor de la banda según muchos de los fans, incluido Robert Plant. Con este doble álbum Led Zeppelin comienzan una nueva gira mundial que tiene que ser interrumpida en Agosto de 1975 a causa de un accidente de tráfico de Robert Plant.

Durante la convalescencia se prepara un nuevo álbum, que sufre retrasos por motivos de maquetación y arte, apareciendo en el mercado en Marzo del 76. Presence, a pesar de contar con un tema magistral llamado Achilles Last Stand, sufre un bajón en las ventas de discos. En 1977 la banda comienza otra nueva gira por EEUU pero la desgracia llega de nuevo: Karac Plant, el hijo de 6 años de Robert Plant, muere a causa de una extraña enfermedad. Los rumores de separación de la banda empiezan a ser cada vez más intensos.


Tras un año de descanso la banda vuelve a la carga con el que sería su último trabajo de estudio: In Through The Out Door (Agosto de 1979). Tras algunos conciertos llega la que será la mayor desgracia de la banda: el 25 de Septiembre de 1980 John Bonham es encontrado muerto en la casa de Jimmy Page tras ingerir 40 vodkas con naranja durante una fiesta a lo largo de 12 horas. El 4 de Diciembre de ese mismo año los restantes miembros de la banda hacen público que Led Zeppelin se disuelve porque la banda es impensable sin John Bonham. Aún así, todavía aparecería otro álbum en Noviembre de 1982, Coda, el cuál recoge algunas grabaciones inéditas a lo largo de los años. Tras la disolución John Paul Jones se convierte en un reputado productor, mientras que Jimmy Page y Robert Plant continuan sendas carreras en solitario.



En 1988, año en el que la discográfica Atlantic cumple su 25 aniversario, la banda es reunida para en concierto de conmemoración, ocupando el puesto de John Bonham su hijo Jason Bonham. Esto induce a rumores en cuanto a la tan esperada reunión, pero ésta nunca llega, ni siquiera cuando en 1994 Jimmy Page y Robert Plant se reúnen para grabar un Unppluged para la MTV con temas de Led Zeppelin aunque nunca usando el nombre de la banda, y un posterior álbum que ha tenido una modesta repercusión en el mundo musical.
si quieres más.

A medio camino entre la genialidad surrealista de Astrud y la solidez consagrada de Fangoria, Carlos Ann ejemplifica a la perfección la brutal ascensión del freakie encantador que es capaz de hacer que un visionario de la electrónica como Howie B produzca "Entre Lujos Y Otras Miserias", el disco de un desconocido al fin y al cabo. Con ese aval añadido se presentó en la mítica sala El Sol evocando la edad de oro de la ciudad madrileña, los 80 por si alguno duda, con un alarde de tecno-pop petardo y sin complejos, unas estrofas desvergonzadas que campan a sus anchas por un terreno musical de brillantes momentos, escúchese "¡Me humillaste" o "Si tú quieres mi princesa", ésta última con la lujosa programación del artífice de "Turn The Dark Off". Y haciendo uso del atrezzo musical modernista y de diseño por excelencia del pop tecnológico aparecía delante de esa batería electrónica que Midge Ure inventó y llevó a su máxima expresión hace ya más de veinte años consagrando el género, pero con las nuevas tendencias con que el rock se ha ido acercando a la electrónica y de la que una guitarra pudo dar buena fé entre tanto sonido espacial. En momentos en los que mantener el tipo delante de este personaje es mejor no renunciar a sonrojarte y escucharlo sin prejuicios porque la sorpresa va a ser aún mayor, ya verás.

Carlos Ann empezó su carrera musical en Barcelona en el año 1992, liderando un grupo que abanderaba la electrónica, Danzando Confuso. Vocalista y compositor, fusionaba el Rock con el Dance, sus directos se convertían en una fusión de estilos en donde el público era parte fundamental del espectáculo. Esas tendencias vanguardistas le llevaron a formar el grupo Analogic Emotion, considerado por los medios como uno de los pocos grupos que apostaba por el Breakbeat en el panorama nacional de aquella época. En el año 99, Carlos Ann se desmarca con un disco personal e introspectivo que viaja desde el Pop melódico hasta la fusión contemporánea, 'Día Especial' (Moviedisco Records).
¿Por qué Howie B, un astro accesible e insobornable, capaz de rechazar a Madonna o Jeff Lyne, decide colaborar con un, hasta ahora, desconocido músico y productor llamado Carlos Ann? Según el mismo Howie B, Carlos Ann ha logrado cristalizar un nuevo concepto musical a medio camino entre el Pop y la música electrónica, cantado en castellano, ya que según el gurú de la electrónica existe un gran vacío a cubrir a nivel mundial en este terreno. Carlos Ann puede satisfacer esa demanda.
Howie B
Incuestionable hombre clave a nivel mundial de la industria musical. Creador y piedra angular que ha sentado las bases del Trip Hop y la música electrónica de los 90. Visionario, gurú y talentoso productor de inmejorables créditos.
Algunas de sus producciones:
Carlos Ann `Entre lujos y otras miserias´ (productor, co-compositor). U2 'Pop' (co-productor). Björk 'Homogenic' (mezclas). Tricky 'Ponderosa' del álbum 'Maxinquaye' (co-productor, co-compositor). Everything But The Girl 'Flipside' del álbum 'Walking Wounded' (co-productor). Les Negresses Vertes 'Trabenda' (productor, co-compositor). Sly & Robbie 'Stripped To The Bone' (productor, co-compositor). Pulp 'Barry Crusoe' (mezcla). Bono & Sinead O'Connor 'I'm Not Your Baby' (mezcla). Howie B 'Folk', 'Snatch', 'Turn The Dark Off', ' Music For Babies' LPs (productor, compositor).
Algunas de sus remezclas y bandas sonoras:
Simply Red 'You Made Me Believe' 12' Remix 'Never Never' 12' Remix Annie Lennox 'Waiting In Vain' 12' Remix New Order 'Age of Consent' 95 remix 12' Remix KD Lang 'Love's Great Ocean' 7' Remix Soul II Soul Club Classics Volume I (co-compositor, ingeniero de sonido) 'Mission Impossible' (Banda sonora) 'Theme' (productor) 'Psicosis' (Banda sonora) 'Once Is Not Enough' (productor, compositor) 'Martian Economics' -Wim Wenders- (Banda sonora) 'End Of Violence' (co-productor).

Carlos Ann
Carlos Ann se desmarca dentro del panorama musical del estado español con una nueva sónica que se está produciendo en algunos sellos independientes del país. La producción de su segundo trabajo a cargo de Howie B avala esta teoría y proyecta al artista Carlos Ann como una de las nuevas promesas.
Discografía
Analogic Emotion 'Moviedisco' 1997, LP
Carlos Ann 'Día Especial', 1999, LP
Les Vampires 'Pensant Dans Une Bouteille' 2000, V.V.A.A
Carlos Ann 'Entre lujos y otras miserias', 2001, LP
Producciones Analogic Emotion 'Moviedisco' 1997
Charly Chicago 'Sexy Poya' 1998 Dax '
De miedos y esperanzas' 1999
Jab Boom 'Is coming' 1999.

“En plena adolescencia, en la función de Navidad del colegio allá por 1962,
David encabezó el programa tocando el saxo con su grupo
George and The Dragons. La actuación fue un verdadero éxito”.

Frases como estas suelen abundar en las biografías que parecen querer hacernos creer que los artistas no se hacen sino que nacen. Sin embargo hay un poco de ambas cosas.

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Los primeros años de su vida vivió en una zona pobre habitada por familias que tenían algo en común: sus casas habían sido destruídas por el bombardeo a Londres.

Influenciado por su hermano Terry, David se acercó al jazz y a los escritores beat como Kerouac y Allen Grinsberg.

Las transformaciones serían un rasgo característico en su camino. Como siguiendo al pie de la letra la frase de Tom Waits: “No puedes dejar de estar en movimiento, ningún perro ha meado sobre un coche en marcha”, el medio en el que David se sintió cómodo fue el artístico y el estético, y el soporte intelectual: su mejor argumento. Pintar, escribir, cantar, diseñar ropa, actuar; cualquier camino hacia la expresión se presentó ante su mirada como útil para decir cosas.

Para 1966 adoptó el nombre que lo haría reconocido en todo el planeta: David Bowie. Algunos sostienen que el nombre fue tomado de la marca de un famoso cuchillo de caza americano, otros: que es el apellido de alguna de las ramas familiares de su madre. Su carrera a partir de entonces estuvo signada por los cambios y la experimentación. Aquellas épocas en las que tocaba donde podía, como una especie de marciano desesperado por hacer llegar su mensaje a alguien, fueron quedando atrás gracias a una suma de talento y esfuerzo.

Sin duda los ‘70 fueron su tiempo. Siempre en el equilibrio, como un ejemplo de la modernidad y de una década específica que cuestionaba límites (hija del MayoFrancés y del fracaso de los dorados ‘60), Bowie oscilaba entre la vanguardia y lo espectacular de la cultura mediática.

Como ejemplo alcanza ver la variedad de personajes que lo acompañaron en los diversos pasajes por los que transitó su carrera artística. Desde Mick Jaegger hasta Iggy Pop, desde Warhol a Lou Reed, los músicos y artistas más representativos de la época, ya desde un lugar de estrellas consumadas o como simbólicos exponentes vanguardistas, aparecían junto a su nombre dadas diferentes circunstancias.

Su carrera, que bien podía ser desarrollada a lo largo de muchas páginas, dejó discos antológicos, videos históricos y películas como El Hombre que Cayó a la Tierra, Laberinto, El Ansia, y otras tantas donde lejos de aparecer como un músico exitoso dedicado a la actuación por cuestiones de marketing, demuestra que no es más de lo uno que de lo otro sino que pertenece a una especie en extinción de artistas integrales.

Inquieto, siempre buscando sus propios límites, siempre cambiando, siempre sorprendiendo. Los escenarios lo vieron con una simple guitarra acústica, con una super orquesta, con una banda conservadora, vestido de caballero inglés, de dama provocativa y hasta de una especie de bizarro marciano de cabaret. Aquel chico nacido en Brixton dio el mejor ejemplo de una vida en constante transformación cuando allá por el ´72 se convirtió en Ziggy. La puesta en escena, en la que colaboró nada menos que Lindsay Kemp, mostraba un escenario construído a distintos niveles y con andamiajes que facilitaban los cambios de vestuario. Aparecían sobre las tablas no sólo los Spiders Fron Mars y los músicos sino también el grupo de danza de Kemp. Hielo seco, luces y el espectáculo de rock más extravagante que se haya presentado en Gran Bretaña fue sin duda uno de los puntos más altos en la camaleónica carrera de Bowie, pero la controversia estaría presente como en cada uno de sus proyectos; mientras algunos (como Lou Reed) catalogaron al espectáculo como el más maravilloso que habían visto, otros no dudaron en esbozar críticas encarnizadas sobre la estrella de rock y el sobrepeso de ese Kemp que bajaba con disfraz de ángel mientras Bowie entonaba “Star Man” para cerrar con una versión sollozante de “Over The Rainbowl”.

Así, el Duque Blanco, llegó a todos los límites estéticos, bordeó todas las fronteras musicales, y esa curiosidad inquieta y esa búsqueda permanente de códigos novedosos es lo que aún lo mantiene tan vigente.

Bowie no se privó de nada: teatro, cine, música y cuanto medio expresivo pudiera enumerarse fue recorrido con su estilo de manera eficiente.
Hacer un punteo de su discografía y filmografía no haría más que corroborar la productividad de este artista.

Ziggy Stardust, Suffragette City, Changes, Fame, Ashes To Ashes, Fashion, Heroes, Modern Love, Blue Jean y una larga lista de temas que se acrecienta con cada disco nuevo han quedado como marca registrada de un artista que, de tan influenciado, se ha vuelto uno de los más influyentes y que, de tan abierto a los cambios, volvió imposible, a los gustosos de los generalismos, encontrar en pocas palabras un término acabado de lo que su obra representó en las últimas tres décadas.
La última travesura de Bowie lo encontró protagonizando junto al novelista William Boyd un episodio creativo por demás significativo en muchos aspectos. Reuniendo a la crema del mundillo artístico y a los críticos neoyorquinos más renombrados presentaron la biografía de «Nat Tate», un pintor exquisito y depresivo que, luego de quemar toda su obra, saltó desde el ferry para darse muerte a corta edad de 31 años. Muchos comentaron la maravilla de su obra y otros, inclusive, hacían alarde de haberla visto. La gala terminó con Bowie legitimando la cuestión leyendo fragmentos de la biografía escrita por Boyd.

Días después se conoció la verdad, pequeño detalle: el pintor Nat Tate jamás existió.

Debe haber sido imperdible el momento en que Bowie y Boyd rieron de la broma, que no hizo más que dejar en ridículo cierto aspecto real del mundo del arte, pero más fascinante aún debe haber sido estar en el momento en que los críticos parlanchines se enteraron de la verdad.
Más allá de anécdotas como esta, David Bowie es todo un símbolo de la época más turbulenta y destellante de la historia de la música moderna.

Las andanzas de este duque parecen no tener fronteras en lo que a la esfera cultural se refiere. Musicalmente está, como siempre, preparando material para una nueva placa; como se aburre con una sola tarea se hizo tiempo para fundar una editorial y una galeria de arte a la cual podemos acceder, mediante internet (www.bowieart.com/), tanto para curiosear sus obras como para comprarlas.

Mucho es lo que se podría agregar de este artista, ya desde la crítica o desde una posición de devoto admirador de su obra. Lo indiscutible de la cuestión es que Bowie parece resistir el paso del tiempo con solvencia, apoyado sobre una fórmula que le impide estarse quieto. Escribió páginas importantes de la historia musical de las últimas décadas, se mostró alternativo, pragmático, comercial, vanguardista , equilibrado y extremista a la vez. Hoy, mitad figura de culto por su pasado, mitad admirado por su presente, David se muestra tan vigente como siempre. Siempre un paso adelante, atrás o a los costados, pero nunca «parte del rebaño». Bowie parece tener las llaves de la máquina del tiempo.

El 22 de agosto de 1961 llegaba a este mundo Andrés Calamaro. Desde niño mostró su inclinación por la música, compuso su primera canción aún en la escuela bajo el título "Chica del paraguas", sin saber que Los Gatos ya habían usado ese título para uno de sus temas.
A los 17 años, dejando de lado su viaje de egresados, junto al grupo Raíces, grabó por primera vez en un estudio participando del álbum B.O.V. Bombe. Eses tal vez fue el primer día de sus días como músico. Temprano decidió comenzar a "trabajar" en el espontáneo y difícil arte de componer música y letra. Poco después armó su propia banda, la Elmer Band, de la mano del guitarrista Gringui Herrera, con quien hasta el dia de hoy sigue compartiendo su música.
Por aquel entonces regresaba al país uno de los iniciadores del "movimiento" llamado rock en nuestro país, Miguel Angel Peralta, quien participó de las reuniones en Plaza Francia junto a Moris y tuvo también la oportunidad de grabar en el mítico sello Mandioca. Miguel Abuelo, así era conocido, rearmó los Abuelos de la Nada y convocó a Calamaro a participar en su banda como tecladista. El tiempo del éxito, multitudes en recitales, radios sonando, "Sin gamulán", "Mil horas" y "Costumbres argentinas", le dio al joven Andrés la posibilidad de conocer el éxito.
Sin embargo la real búsqueda del artista era el primer disco como solista. En 1985 edita "Hotel Calamaro" y luego de diversos problemas con Los Abuelos, se separa del grupo para dedicarse a pleno a su propia carrera. Poco después le llegó el turno a "Vida cruel" su segunda producción que grabó junto a una importante selección de músicos ya que él no contaba con una banda estable para sus presentaciones y grabaciones. Los sonidos de los '80 estaban allí presentes: el pop, la new wave y el dark que estaba de moda por aquellos años. El disco fue bien recibido por la prensa, pero no tuvo éxito en las ventas.
Un año después un golpe de timón en su ruta musical hizo que Andrés desempolvara la música de su primer amor: el rock and roll. Nuevas composiciones con un estilo claramente diferenciado a las producciones anteriores, darían lugar a su nuevo disco que recién fue editado en 1988 bajo el título de "Por mirarte". Sin embargo a pesar de las demoras que hubo en la edición de esta placa, Andrés no perdió el tiempo. Probó, y se probó su capacidad como productor musical. Durante esos años Los Fabulosos Cadillacs, Don Cornelio y la Zona (banda liderada por Palo Pandolfo, quien luego formaría Los Visitantes) y los mendocinos Enanitos Verdes serían sus ratones de laboratorio para esta nueva experiencia.
Pero esto no bastó y formó una banda junto a Gringui Herrera, amigo de viejas andanzas musicales y Ariel Rot, quien recién había regresado de España. La banda tuvo éxito, esto le trajo giras, presentaciones y más giras, pero la situación económica del país no ayudaba.
Llegó 1989 y Andrés con su banda entró a estudios a grabar junto a diversos músicos invitados. Resultado de esta grabación se editó "Nadie sale vivo de aquí". Este álbum fue elegido el Mejor del Año, pero ni ese galardón ayudó a soportar la crisis económica que ahora afectaba también a la industria discográfica que se veía inválida por la falta del vinilo para poder subsistir.
En la primavera de 1990 Andrés decidió partir y la dirección elegida fue: España.Allí se unió a Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes de Tequila, en un nuevo proyecto musical, que con los shows y el éxito mediante se transformó en Los Rodríguez. Después de varios años como solista, Andrés volvía a conformar una banda.
Con Los Rodríguez editaron cuatro placas. Pero la que pegó en Buenos Aires fue la primera titulada "Buena Suerte", dado que contenía el tema "Mi enfermedad" que por aquel entonces cantaba Fabiana Cantilo con gran éxito, y que Diego Maradona hizo escuchar al público presente en el estadio el día que debutó en España como jugador en el Sevilla.La tercer placa de Los Rodríguez "Sin documentos" fue un suceso y trajo consigo giras por España y Latinoamérica. Se confirmaba así el reinado de Los Rodríguez con su búsqueda de nuevas estéticas y la incorporación de sonidos ajenos al rock como el flamenco y la rumba.
Sin embargo, y a pesar de todo esto Andrés siguió casi "secretamente" con su carrera solista. Siempre emprendiendo las investigaciones personales, siempre drenando su capacidad para componer, casi mecánicamente, pero con una gran espontaneidad. Le llegó el turno a "Grabaciones encontradas". Tal como lo dice el título corresponde a grabaciones encontradas en baúles, placards de la casa de los padres y temas en los cuales Andrés es acompañado por personajes como Luca Prodan.
La actividad de Los Rodríguez continuaba, el ritmo era feroz. Llegó la edición de "Palabras más, palabras menos", en 1995, y el que terminó siendo el disco despedida de la agrupación titulado "Hasta luego" casi como un designio. Esta placa fue un éxito de ventas y gracias a ello realizaron una gira española junto a Joaquín Sabina.
En el año 1997, cuando la etapa de Los Rodríguez había concluido, Andrés emprende un nuevo viaje. Esta vez con destino a los Estados Unidos. Allí graba con músicos sesionistas los temas de su nuevo disco solista, el primero desde "Nadie sale vivo de aquí", titulado "Alta suciedad". Esta placa demostró y demuestra la innegable de la experiencia y el enriquecimiento en un músico que vivió como quiso y que se dio los permisos para incorporar nuevos sonidos. El funk, el rock, la balada, lo deforme, participan de esta producción. "Alta suciedad" se convirtió en un verdadero éxito. Superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo y trajo consigo giras masivas.
Pero la maquinaria frenética de componer de Andrés no cesaba. En un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999 más de cuarenta canciones estaban listas. En algún reportaje Andrés decía que eran temas que tenían en su composición algo de baquelita de avión, refiriéndose a las mesitas rebatibles de los aviones donde Andrés entre vuelo y vuelo seguía componiendo.
A fines de marzo de 1999 "Honestidad Brutal" estaba listo. Treinta siete temas, casi la misma cantidad de invitados y un nuevo giro en las emociones de este compositor.Seguramente este es sólo un escalón más en su prolífica carrera, que deparará más grabaciones encontradas, más discos de estudios, más giras, más aviones y mucha más baquelita.
Empezó el 00 con 500 canciones bajo el brazo, grabadas en su estudio domestico en su casa de Baires y parte en un hotel de la calle suipacha. Con 300 canciones grabadas en cassetes, en 4 canales, después de recuperar su casa por quejas vecinales y demás, viajo hacia Madrid, donde con los músicos de siempre y amigos, se grabaron las finales 103 canciones que iban a ser parte de un disco quíntupla, "El salmón", histórico para la industria musical, por ser 5 CDS y seguramente para algunos no solo por su extensión, sino por su contenido.

Pero en 2004 y del mismo modo que la energía no desaparece sino que se transforma, una obra de arte nunca se termina, sino que se abandona. Andrés Calamaro abandonó proyectos y temas propios para rescatar temas ajenos desamparados, que no olvidados; abrazándolos, amoldándolos y acomodándolos a su garganta hasta lograr hacerlos propios para, llegados a este punto, abandonarlos otra vez en un nuevo proyecto de nombre El Cantante. Renegando de Orson Welles y del Capitán Ajab, Calamaro se mira ahora en el espejo de clásicos como Carlos Gardel, Rubén Blades o Roberto Carlos para encontrarse de nuevo a sí mismo, dejando de ser salmón para transformarse en un pájaro; no en pájaro asustadizo, sino en pájaro corsario que no conoce alpiste.

El repertorio elegido para la ocasión oscila entre distintas formas clásicas del cancionero iberoamericano, sobresaliendo tango y bolero. Esta diversidad estilística no lo es tanto al estar homogeneizada por un tamiz flamenco (con toque jazz incluído) aprovechando lo que Calamaro denomina una feliz coincidencia entre ese arte ancestral y el swing natural del Río de la Plata. En este proceso de pasteurización y homogeneización melódica mucho ha tenido que ver otra feliz coincidencia, esta vez entre el músico argentino y figuras como Niño Josele, Piraña, Jerry González o Javier Limón Lágrimas Negras.

Y entre esta colección de reinterpretaciones se lleva la palma “Volver”, el viejo y a la vez actual tango de Carlos Gardel, no sólo por el carácter simbólico que representa escuchar la profundidad de sus nostálgicos versos en la voz de Andrés, sino también porque el cantante los asimila y posee hasta el punto de hacer dudar de la autoría del tema. Sí es autor Calamaro de tres temas, no tan inéditos, que aparecen en su nuevo álbum. Además de la inmensa “Estadio Azteca”, merece la pena destacar “La Libertad” en la que comparte paternidad junto a los abuelos Gringui Herrera, en el aspecto formal, y Norberto Pappo Napolitano, en el aspecto emotivo.

A pesar de su grandeza, El Cantante es tan sólo el primer paso del retorno de un nuevo Andrés Calamaro, recuperado para la música y, en segundo plano, para la industria.

No se podría predecir que será de el de acá en adelante, seguramente, seguirá nadando contra la corriente...