ESGARRO

El error es a veces más generador de acción que la verdad.
Gustavo Le Bon
Puedo resistirlo todo menos la tentación.
Oscar Wilde

Todo es veneno y nada es veneno, la diferencia es la dosis.

Os ideais son como as estrelas, non podemos tocalos coas mans, pero ó navegante na inmensidade do océano sérvenlle de guía para chegar ó seu destino.
C. Shum

14 de Abril, concerto de JUDAS PRIEST na Coruña (Coliseum)
Realmente o concerto de antonte era un dos máis esperados do ano en Galiza, porque ante todo Judas Priest son un clásico. Os Judas tiveron como teloneiros a Barón Rojo, grupo que xa de por si atraeu a un bo número de seguidores e o Coliseum estaba case cheo.
Ainda así, e como non podía ser doutra maneira, houbo diversidade de opinións.Oeuse de todo. Houbo quen se emocionou con Judas de comezo a fin, a quen lle pareceu dantesco e mesmo quen esixía que voltase actuar Barón Rojo.
Os Judas tentaron manter animado ó público con temas míticos coma Breaking the Law, pero de calquera xeito os anos xa lles pesan (lóxico tamén) sobre todo para o cantante que semellaba que non se podía mover e abusba da montaxe tentando disimular. Por outro lado o son foi canto menos horripilante, cando é o menos que se lle pide a 30 euroazoz de entrada.
De calquera xeito, o xoves na Coruña houbo rock a fartar e un ambiente... (jeje)estimulante.

LOS VERSOS DE PANERO SE CONVIERTEN EN MÚSICA
Dos músicos, Carlos Ann y Enrique Bunbury, un director de cine porno, José María Ponce y el periodista Bruno Galindo se han reunido para sacar a la calle un libro-disco con los poemas de poeta loco, acompañados de ilustraciones y fotografías que recrean su convulso mundo simbólico: la muerte, el caos, la droga, la soledad o el sexo.

El poeta no ha participado en el proceso de creación de la obra, editada por Moviedisco Recors y la editorial El Europeo, pues sigue recluido en un psiquiátrico en Las Palmas. Además los artífices del proyecto han tenido claro que era mejor construirlo al margen de una personalidad tan invasora.

Carlos Ann explica: “No le hemos dicho nada, se lo hemos ocultado para que no pudiera frenar el proceso. Lo hemos hecho de una forma clandestina; pero he oído que el otro día cuando Leopoldo estuvo en Barcelona dijo que le estaban haciendo un disco, así es que algo sabe. Se trata de un homenaje a Leopoldo, alguien al que no le importa nada u el más políticamente incorrecto. Estamos acostumbrados a que la gente se comporte bien, y los locos están prohibidos, no están en la calle, la locura molesta y es incómoda”.

Las monjas adoran a su Dios que no existe
Mientras el Papa aprieta el gatillo
Y dice Dios no existe
Es una imaginación de la Iglesia
Que está muriendo poco a poco
Los ateos lloran al pie de una estatua.
Y el mundo dice Dios no existe
Es una imaginación del Papa
Mientras los ateos
Lloran y lloran por su belleza perdida
Y Dios ya no existe
Está llorando en el Infierno.

Esta es la estatua entera de la nada.

(Realizada por David Benedicto y publicada en El Semanal)

-¿Qué tal está aquí dentro?
(Silencio prolongado)

-¿Se encuentra mal?
¿Tú qué tienes, sida o que cojones?

-¿Por qué me pregunta eso?
No sé, como llevas la cabeza rapada.

-Me gusta llevar el pelo corto, ¿le molesta?
(Silencio)

-Le preguntaba si está mal encerrado en este psiquiátrico.
Mal, muy mal. Llevo cuatro años en este puto infierno.

-¿Cómo es una noche dentro de este lugar?
Yo lo que quería era ir a juicio para cambiar de centro. No quiero estar aquí.

-¿Ha cambiado mucho de psiquiátrico en los últimos años?
Si, estuve muchos años en Madrid: en el Hospital Clínico y en el Alonso Vega y en el de Ciempozuelos y en el de Colmenar, Barcelona, Zaragoza, Reus y Pamplona. He estado en muchos. También en el de Mondragón, en Guipúzcoa.

-¿Por qué ha terminado en estos, en el de Las Palmas de Gran Canaria?
Porque me puteaba. Bueno en Mondragón y en Madrid no me puteaba el staff pero sí que lo hacían los locos. Joder, estaban todo el día dándome la paliza.

-¿Y aquí quien le putea es el staff ?
Eso es, el staff, aquí los locos no. Bueno, ellos también, depende.

-¿Cómo es una noche aquí dentro, en este hospital?
El maldito infierno.

-Asegura encontrarse siempre rodeado de gremlim.
Sí, y con ellos supero toda esta mierda.

-¿Están aquí ahora?
Sí, claro.

-¿Tiene algún otro amigo en este lugar?
Ninguno. Bueno, tenía a un tal Andoni y a un tal Medeiros. Pero ahora no tengo un puto amigo.

-¿Por qué?
No sé por qué. Como no sea la gata (tose).

-¿Y cómo se lleva con su compañero de habitación?
Bien, con él me llevo bien. Será porque procuro no estar mucho allí. Paso todo el día fuera de este manicomio. No me quedo dentro. Me ahogo.

-Tampoco le han dado el Nobel este año.
No, vaya una mierda.

-¿A qué esperan para hacerlo?
“Nada mejor que no ser oído. Nada mejor que en esa habitación no ser visto” (se cita a sí mismo).

-¿Qué les diría a los suecos?
No lo sé. Yo tendría que haber ganado el Nobel.

-¿Aún tiene esperanzas?
(Abre una lata de Pepsi light y la engulle de un solo trago. Silencio prolongado)

-¿Sigue teniendo esperanzas de ganar el Nobel?
Sí (ríe).

-Para bien o para mal, usted es nuestro “escritor maldito” oficial, aunque abomine el término.

No me gusta nada. Como he dicho ya a la prensa: que no usen mi torpe biografía para juzgarme. Es lo que hay. Wilde compuso en su día una obra de arte. Pero yo no. Ninguna. (Abre otra lata).

-¿Y que le parece ser considerado también el loco oficial de la literatura española?
No sé. Como decía Blake: “Si el loco persevera en su locura, termina siendo sabio”.

-¿Por qué cita siempre?
Para ser creido. Para ser escuchado. (Bebe un largo trago).

-Es usted uno de los mejores poetas posteriores a la generación de los 50, ¿Qué hace falta para que lo tomen en serio?
No, te olvidas de Juan Ramón Jiménez.

-Ya, pero es anterior a los 50.
Ah, (toses prolongadas y arcadas. Luego escupe en el suelo, se incorpora y se marcha al water. Tarda cinco minutos en regresar).

-¿Qué es lo que hace falta para que le tomen en serio?
Pues que me dejen salir de este manicomio del infierno. Confiar en que algún día, los que controlan estas prisiones no tengan miedo. Que los enfermos puedan abandonar sus asquerosas conchas.

-En confianza, ¿le molesta mucho no ser tomado en serio?
Sí, ¿a quién no? Claro que me jode.

-¿Qué es estar loco?
No estar ahí.

-¿Cuál es su locura?
¿Pero por qué me analizas tanto cuando no lo hago ni yo?

-¿Se está medicando ahora?
Sí.

-¿Qué toma?
Reinoles. Me dan pastillas para dormir. Dicen que es lo único que necesito. Mis doctores son una pandilla de locos obsesionados con matarme. Creen en la manía de una revolución mundial. Nunca he visto a alguien más colgado que el que dirige este cotarro. Escríbelo. Que se sepa fuera.

-Según mucha gente lo único que tiene para ser poeta es mucho cuento, ¿Qué les diría?
Que no, que no. Nada de eso. El loco yerra, pero no miente. Tengo la manía de decir la verdad. Me da igual. Aquí estoy. Y digo la verdad. (Silencio). Hace poco que se escapó una tía en bragas.

-¿De dónde?
De este psiquiátrico. Y la capturaron (ríe, tose).

-Pasa todo el día fuera de este centro y viene sólo a dormir, ¿Qué hace?
Voy a la playa, a los cafés.

-¿Dónde escribe?
Aquí dentro.

-¿Cuándo lo hace?
A veces escribo de noche. Cuando me dejan entrar en el despacho.

-¿Qué está escribiendo ahora?
Prólogos. Me he hinchado a vender libros por culpa de un camarero viajante. Ah, y otra cosa que quería decir. A ver si la publicas en El Semanal. Estoy loco por hacer un spot publicitario. O de Coca-Cola o de tabaco. En el de tabaco saldría con asma o no podría respirar. Me fumo nueve paquetes al día.

-¿Y en el de Coca-cola?
En ese diría: “Coca-Cola, la bebida que toman los locos”.

-¿Ese sería el texto del spot? Sería muy bueno.
Estoy deseando hacerlo.

-Podría marcharse de aquí si quisiera, ¿Por qué no lo hace?
Ahí fuera, dices. No, no puedo. Me fui al País Vasco a pasar unos días, a emborracharme y acostarme con una tía a la que había conocido y me siguieron hasta allí. Me trajeron de vuelta. Estoy aquí en contra de mi voluntad.

-De todas formas, ha pasado por casi todos los manicomios de España.
Pues sí, por todos.

-¿Se acaba marchando usted o le hechan de ellos?
Me echan. No les convenzo nada.
(Risas)

-¿Es que acaso tiene que convencerlos?
Me echaron hasta de un piso franco.

-¿De dónde?
De un piso franco. Era un piso de la ETA. Hace ya muchos años de aquello. Me echaron por estar todo el día borracho y recitando profecías de Nostradamus. Luego me intenté acostar con la mujer del “capo”. Joder, qué fuerte (ríe. Abre otra lata de Pepsi y la engulle de un trago).

-Hábleme de su madre.
(Silencio prolongado).

-¿Se le sigue apareciendo en sueños para volverle aún más loco?
(Abre otra lata. Bebe. Eructa. Silencio)

-¿No me quiere hablar de su madre?
Sí, era una bruja.

-¿Y se le sigue apareciendo en sueños?
No, debe estar en el infierno. Rodeada de vecinos.

-¿Por qué dice que era una bruja?
Por que me utilizó para dar un golpe de estado en este país.

-¿Qué le da miedo?
La muerte.

-¿Cree en Dios?
Sí, claro que sí. Aunque lo que sea debe andar con cartuchera.

-¿Y en el anticristo?
Claro que habrá.

-¿En qué más cree Leopoldo María Panero?
En el rey y en Nueva York.

-¿Aun le persigue la CIA?
No, la CIA ya no existe. Cerró hace relativamente poco. Todos sus agentes han cambiado de profesión. Los pobres.

-Hay más iniciales que han marcado su vida, ¿recuerda su primer viaje de LSD?
Yo estuve un mes tomando ácido todos los días. Hace muchísimo. Fue la primera vez que mi madre me metió en un manicomio. Algo horroroso. Por esa experiencia, y gracias a su progenitora, el joven Leopoldo María Panero se convirtió a la psiquiatría. Cuéntalo así.

-¿Cómo fue su último chute de heroína?
El Anticristo de Nietszche era para mi algo pensado. Lo vivía de modo compulsivo.

-¿Cuál fue la última vez que se emborracho?
Hace mucho tiempo. Cantidad de años. Llevo mucho sin emborracharme, sin trasnochar ni joder.

-¿Recuerda la última ve que celebró su cumpleaños?
Sí, son en junio. Aunque ese día no hago nada especial. Salgo a pasear y ya está.

-¿Y que besó a una mujer?
(Tose). Hace cinco minutos.

-¿A quién ha besado?
A una loca que está muy buena.

-¿Mantiene relaciones con alguna interna?
Si, sexuales (ríe).

-¿Qué está leyendo ahora?
El Talmud, la biblia hebrea.

-¿Lee a sus contemporáneos?
Con mucho esfuerzo.

-¿Sigue la actualidad de este país?
No me interesa la política.

-¿Cómo ve España?
Pues muy mal. No creo que el Ejército español deba estar donde está. No ha cambiado nada desde el golpe de estado del 23-F. El golpe funcionó, por lo visto.

-¿Qué opina de Aznar?
“Asnar”. Yo le llamo “Asnar” (ríe). Este tío tiene cara de chiste.

-¿Sabe que es un gran lector de poesía?
Ah, si. No lo sabía.

-Lee a Cernuda.
Me hace gracia.
(Arcadas. Se marcha al váter. Regresa diez minutos después).

-¿Continuamos?
No me atrevo ni a ir al servicio.

-¿Por qué?
Porque no sé donde tengo que apuntar (Tose. Silencio. Abre otra lata).

-¿Seguimos?
Vale, seguimos.

-¿Fue un niño feliz?
No, tuve una infancia desolada.

-¿Por qué?
Porque mi padre me pagaba palizas. Se pensaba que iba a salir marica. Y yo, de pequeño, me arrodillaba y me cagaba en los calzoncillos por ódio a él. (Entran dos señoras de la limpieza que nos ignoran. Hablan en voz alta. Friegan la sala de visitas. Nos han confundido con locos. Locos que se entrevistan. Quizá no sean señoras de la limpieza. Quizá sean de la CIA. O locas vestidas de mujeres de la limpieza).

-¿Cuántas veces ha intentado suicidarse?
Mil.

-¿Cómo fue la primera?
Lo conté en la película de (Jaime) Chavarri. Tenía todas las pastillas en cima de la cama y entró la dueña de la pensión y me dijo “¿Pero es que va usted ha hacer lo mismo que Marilyn Monroe, desgraciado?”. Cogí las pastillas y me fui de allí.

-¿Qué recuerda de su militancia antifranquista?
En la universidad me llamaban Bob Brummel porque iba siempre bien vestido.

-¿Sigue siendo comunista?
No, me he hecho anarquista. En España no tenemos proletariado.

-El Desencanto (1976) y Después de tantos años (1994), las películas que hablan de su familia y usted. ¿Con cuál se queda?
Con Después de tantos años. Es más bonita. Más moderna.

-También tiene más protagonismo usted, ¿no es así?
Sí, me gustó sobre todo pasearme por encima de las tumbas. “No soporto la voz humana (empieza a recitar versos suyos, refiriéndose quizá a las empleadas de la limpieza, que siguen hablando en voz alta), mujer, tapa los gritos del mercado y que no vuelva a nosotros la memoria del hijo que nació de tu vientre”.

-¿Cuánto dinero ganó con las películas?
Con la primera, nada. Bueno, que yo sepa. Pero con Después de tantos años, tres millones quinientas mil pesetas, que me robaron en el Banco Popular de las Palmas.

-¿Y que tenía pensado hacer con ese dinero?
Gastármelo en vino.

-Carroll, Poe, Lovecraft, Mallarmé, ¿con cual de ellos se queda?
Con Lovecraft.

-¿Por qué?
Porque es el más espantoso.

-¿De quien o que tiene miedo?
De una frase neoborgiana que acaba diciendo algo así como “Dicen que en el gueto judío de Praga tienen miedo de un hombre”.

-Confiese, ¿realmente está loco?
Ni yo ni nadie estamos locos. Como decía en el siglo XIX Charles Baudelaire: “Todos estamos más o menos locos!”.

LA FAMILIA MAL, GRACIAS.

PAPÁ (Leopoldo María Panero)
“Sería un personaje detestable pero por lo menos era honrado. Si se hubiera enterada de que yo era homosexual o que militaba en el Partido Comunista me hubiera echado de casa al momento. Fue arrestado acusado de recolectar caudales para el ilegal Socorro Rojo acabó siendo uno de los poetas de Franco. Lo condenaron a muerte y se convirtió. Era un borracho que vio la luz (ríe)”.
[Leopoldo Panero (1909-1962), poeta vinculado al franquismo, consiguió el Premio Nacional de Literatura en 1945].

MAMÁ (Felicidad Blanc)
“ Mi padre es un cerdo, pero de ahí a consentir que me mataran es otro cantar. Eso fue cosa de la prostituta de mi madre. Ella pagó para que me diesen “pasaporte” cuando era joven. Fue la responsable de que me ingresasen por primera vez en un sanatorio. La muy puta me volvió loco y, durante muchos años, volvió de las sombras después de muerta para recordármelo”.
[Felicidad Blanc (1913-1990) se casó con Leopoldo Panero un poco antes de que terminara la guerra civil. Protagonizó junto con sus tres hijos el film El Desencanto (1976)].

EL MAYOR (Juan Luis Panero)
“Es mala persona, un verdadero hijo de puta, pero está bien como poeta. Es un gran poeta. Hay que reconocerlo. No tengo ninguna relación con él. Lo prefiero así. Es mejor estar lejos de mi hermano.”
(Juan Luis Panero (1942), inició su carrera poética en 1968 con A través del tiempo. Ha obtenido los premios Loewe y Ciudad de Barcelona. Vive en Girona desde 1985.)

EL PEQUEÑO (Michi Panero)
“Michi es el hermano que más me fastidia. Me estuvo mareando durante unos días con iba a llevarme a su casa a pasar unos días y luego no fue a recogerme al manicomio por temor a que le pidiera el dinero de la película (Después de tantos años). Me gustaría matarle. Es un cabrón y mi madre una puta. Y mi padre un borracho. Lo dije yo en un poema”.
(José Moisés Panero (1952), escritor, redactó el argumento de El Desencanto. Estuvo casado con la actriz Paula Molina.)
Murió a mediados de 2004.

Circus es un grupo madrileño formado en 1998, bajo el nombre de Contradiction, con la idea inicial de emular los sonidos afterpunk de principios de los 80´s, destacándose como influencias bandas como Bauhaus o Killing Joke.

En su primera etapa realizan varias actuaciones, de las que caben destacar las realizadas como teloneros del grupo americano Christian Death. En los años siguientes y tras varios cambios en la formación, Circus (todavía bajo el nombre de Contradiction) graba dos demos y continúa actuando en diversas salas de la geografía española, para culminar teloneando al grupo holandés Clan of Xymox. En el verano de 2001 la banda colabora en un disco homenaje al fallecido cantante Rozz Williams.

En el 2002, la formación actual decide dar un paso hacia delante, adopta el nombre de Circus y, bajo la producción de Willy Vijande, evoluciona a un sonido personal con influencias más actuales, tales como Rammstein, Tool o Muse. Durante la segunda mitad del mismo año, la banda realiza un gran número de conciertos para dar a conocer al público su nueva propuesta musical.

El 2003 fue el año de confirmación de Circus, que ya empieza a abrirse un hueco en la estrecha escena musical actual. De este año hay que destacar que la banda ha sido finalista del trofeo Rock Villa de Madrid y su concierto como teloneros de Metallica en el Estadio de la Peineta en Madrid.

Actualmente, Circus ya ha lanzado su primer larga duración, bajo el sello Locomotive Music, con el que se están confirmando como una de las realidades más atractivas y sugerentes del panorama musical estatal.

En Marzo de 2004, salió su primer single(un suculento aperitivo para todo lo que vendrá después) y comenzaron una gira que los lleva por el circuito de clubes de toda España, viniendo incluso a Galicia en enero de 2005, momento en el que una desafortunada caida del cantante y guitarrista Pablo Giaretta le produce una lesión de tobillo que les obliga a suspender parte de la Gira.

Circus están sonando tan fuerte que han llegado a ser calificados como los "nuevos Heroes del Silencio", un piropo cuanto menos alagador para cualquier banda de rock.
Su primer disco(Circus-Circus) está inmerso en una atmósfera casi mística de sonidos duros pero a la vez aterciopelados, potentes guitarreos, letras melancólicas y al mismo tiempo tenebrosas que dotan al grupo ,ante todo, de un sonido particular. Circus suena a Circus.
Paradójicamente la excelente versión en castellano del clásico de David Bowie, Heroes, que han incluido en este disco, viene a hacer fuerza en lo anterior: ¿serán Circus los nuevos Heroes?... las comparaciones son odiosas, pero de todas formas, atentos a Circus.


[ Formación ]
Pablo Giaretta: voces, guitarras, piano
Sergio Patón: bajo
José R. Jiménez: batería

Zaragoza es una ciudad con vocación de futuro, respaldada por una larga historia de más de dos mil años, sobre un lugar que estaba destinado por la geopolítica a defender una cabeza de puente sobre el Ebro y el cruce de los caminos del norte por el Gállego, del sur por la Huerva y del centro por el Jalón. No debe extrañar, por consiguiente, que a la ciudad ibérica de Salduie, acuñadora de moneda, sucediesen la romana Caesaraugusta, que aún conserva el nombre, la musulmana Medina Albaida Saraqusta y, desde el siglo XII, la cristiana Zaragoza, en continuo progreso, cabecera de un Reino y de la Corona que extendió sus territorios por todo el Mediterráneo.

Cada época, superpuesta a las anteriores en el mismo espacio, ha dejado huellas monumentales que tanto hablan del núcleo amurallado de 15.000 habitantes, como magnifican la urbe moderna de 150.000 a principios de siglo, el doble a mitad de la centuria y de los más de 600.000 de nuestros días. Pero al mismo tiempo que se abre al siglo XXI conserva los usos y tradiciones que corresponden a una urbe bimilenaria. Fiestas, dances, trajes, gigantes y cabezudos, la Jota...

Pueden ser símbolos del valor eterno las murallas romanas, las trazas urbanas y de los templos, las monedas e inscripciones que hablan de Roma; la obra de Braulio, perla de la Escuela isidoriana y síntesis de un cristianismo iniciado con los Innumerables Mártires y la maravillosa aparición de María, en carne mortal, al apóstol Santiago, precisamente junto al puente que fue causa de la fundación de la colonia. Y, a través de los siglos, la casa romana, los templos románico, gótico, barroco y neoclásico de El Pilar, con pinturas de Goya. Y, como muestra galana de la cultura islámica del reino de Taifas, la Aljafería, "casa del regocijo", exponente del brillo del siglo XI cuando la ciudad era un centro caravanero en el que confluían el Oriente y Europa. Y la catedral de la Seo, también compendio de siglos y estilos. Y la galanura de las torres mudéjares de San Pablo, la Magdalena, San Gil y San Miguel. Y los inmensos retablos tallados en alabastro de Pere Johan, Hans de Suabia o Damián Forment, y las esculturas de Yoli o Tudelilla. Y la figura excepcional de Francisco Goya, aragonés universal. Y antes la de Fernando el Católico, que "hizo de Aragón, el varón en el matrimonio de las españas". Y una ciudad que "daba de sy olor a Italia" y merecía ser llamada "la harta" aunque sacrificase tanta prestancia en la empecinada e impar resistencia frente a los ejércitos napoleónicos en 1808 y 1809. Y la Lonja de mercaderes, los palacios señoriales, el poder de una activa burguesía.

Con el Ebro como acicate, centro del cuadrante nordeste de la península, siempre ciudad de la tolerancia y de la cultura, pionera en la imprenta, simbiosis un tiempo de minorías cristiana, hebrea y musulmana y crisol hoy donde se funden gentes de todo Aragón y de fuera de él, Zaragoza, "señora de las cuatro culturas", se apoya en un espléndido pasado para asomarse a un prometedor futuro.

Tras la desaparición del grupo, Juan Valdivia, deja por un tiempo la música, y sólamente hace una colaboración en el primer disco de su hermano Gonzalo Valdivia y su banda “El Alquimista” ("El Alquimista", 1996) tocando en un tema que lleva por título "Guitar session yeah¡".

Durante estos años de ausencia y poco después de la desaparición de Héroes del Silencio se han podido leer noticias acerca de una exitosa operación en una de sus manos y de una posterior recuperación, después de un problema que se había desarrollado durante la última gira de 1996.

Durante este tiempo no ha dejado en absoluto la música, si no que ha seguido progresando (más si cabe) como músico en silencio, alcanzando el dominio de diferentes instrumentos entre los que está el piano. En su etapa en Héroes del Silencio Juan Valdivia no había estudiado nada de solfeo, funcionaba de oído. Juan se quedaba con cualquier cosa de los grupos que le gustaban y lo iba transformando hasta que lo conviertía en suyo. Sin embargo recientemente ha superado con notable el primer curso de grado medio de la carrera de solfeo, lo cual le da muchas más posibilidades a la hora de componer.

Ahora ya, por fin, el Maestro regresa tras un largo silencio con un disco que va a marcar un hito en el Rock: TRIGONOMETRALLA.

PURAVIDA
Es el nombre del grupo que formó Pedro después de disolverse Heroes, pop blues con tintes Beatles. Su primer y único trabajo "Donde el corazón me lleve" es más que aceptable a la vez que una demostración de sinceridad y honestidad. El concierto de Barcelona está disponible en un pirata, "Azul".

Sobre el apodo de Enrique Ortiz de Landazuri, Enrique Bunbury, hay dos hipótesis: la priemera y menos fiable, es que en un curso Enrique tenía una compañera de clase que se apellidaba Bunbury y que se parecía muchisimo a Enrique. Tal era el parecido que los amigos de Enrique empezaron a llamarlo Bunbury medio en broma; hasta que al final se quedó con ese apodo.
La segunda, y supongo que auténtica, basta con recordar la influencia que Oscar Wilde tiene en la obra de este músico, es que este nombre fue extraido de la obra de Oscar Wilde, La importancia de llamarse Ernesto. En esta obra Bunbury es un personajre fdicticio, inventado por uno de los personajes centrales de la comedia, como si fuese un desdoblamiento de personalidad, un amigo imaginario, Bunbury dota de libertad a su creador. Sin duda esta obra de Wilde se merece que le heches un ojo.

El segundo cd en vivo de Héroes del Silencio es este, Senda ´91. Del concierto celebrado en Las Rozas (Madrid),el 26 de Septiembre de 1991. La canción Decadencia incluye, el tema "El Cuervo" y al final del disco se puede escuchar de la voz de Enrique Bunbury un mensaje oculto.
Pues bien,aparte de ser un buen directo de Héroes, donde podemos oir a Bunbury "mosqueadísimo" con un, como dice él "vamos a volver a tocarla, joder... esto es un desastre!!" y también en pleno éxtasis musical, improvisando, o mejor dicho, añadiendo una nueva letra en la canción Decadencia. De cualquier manera, lo que hace de este disco una "reliquia" es el mensaje oculto que al final del disco Bunbury proclama como si fuera una profecía, ¿sabes cúal es?.... "Entre cada palabra y sílaba pronunciada como surco aspero al recorrer, encontraras mensajes sin descifrar que escondan mentiras aprendidas".

De la primera gira de Héroes Del Silencio sólo se editaron 5000 copias, de esta el número de copias fue ligeramente superior. Es decir, sólo para coleccionistas.

El 22 de agosto de 1961 llegaba a este mundo Andrés Calamaro. Desde niño mostró su inclinación por la música, compuso su primera canción aún en la escuela bajo el título "Chica del paraguas", sin saber que Los Gatos ya habían usado ese título para uno de sus temas.
A los 17 años, dejando de lado su viaje de egresados, junto al grupo Raíces, grabó por primera vez en un estudio participando del álbum B.O.V. Bombe. Eses tal vez fue el primer día de sus días como músico. Temprano decidió comenzar a "trabajar" en el espontáneo y difícil arte de componer música y letra. Poco después armó su propia banda, la Elmer Band, de la mano del guitarrista Gringui Herrera, con quien hasta el dia de hoy sigue compartiendo su música.
Por aquel entonces regresaba al país uno de los iniciadores del "movimiento" llamado rock en nuestro país, Miguel Angel Peralta, quien participó de las reuniones en Plaza Francia junto a Moris y tuvo también la oportunidad de grabar en el mítico sello Mandioca. Miguel Abuelo, así era conocido, rearmó los Abuelos de la Nada y convocó a Calamaro a participar en su banda como tecladista. El tiempo del éxito, multitudes en recitales, radios sonando, "Sin gamulán", "Mil horas" y "Costumbres argentinas", le dio al joven Andrés la posibilidad de conocer el éxito.
Sin embargo la real búsqueda del artista era el primer disco como solista. En 1985 edita "Hotel Calamaro" y luego de diversos problemas con Los Abuelos, se separa del grupo para dedicarse a pleno a su propia carrera. Poco después le llegó el turno a "Vida cruel" su segunda producción que grabó junto a una importante selección de músicos ya que él no contaba con una banda estable para sus presentaciones y grabaciones. Los sonidos de los '80 estaban allí presentes: el pop, la new wave y el dark que estaba de moda por aquellos años. El disco fue bien recibido por la prensa, pero no tuvo éxito en las ventas.
Un año después un golpe de timón en su ruta musical hizo que Andrés desempolvara la música de su primer amor: el rock and roll. Nuevas composiciones con un estilo claramente diferenciado a las producciones anteriores, darían lugar a su nuevo disco que recién fue editado en 1988 bajo el título de "Por mirarte". Sin embargo a pesar de las demoras que hubo en la edición de esta placa, Andrés no perdió el tiempo. Probó, y se probó su capacidad como productor musical. Durante esos años Los Fabulosos Cadillacs, Don Cornelio y la Zona (banda liderada por Palo Pandolfo, quien luego formaría Los Visitantes) y los mendocinos Enanitos Verdes serían sus ratones de laboratorio para esta nueva experiencia.
Pero esto no bastó y formó una banda junto a Gringui Herrera, amigo de viejas andanzas musicales y Ariel Rot, quien recién había regresado de España. La banda tuvo éxito, esto le trajo giras, presentaciones y más giras, pero la situación económica del país no ayudaba.
Llegó 1989 y Andrés con su banda entró a estudios a grabar junto a diversos músicos invitados. Resultado de esta grabación se editó "Nadie sale vivo de aquí". Este álbum fue elegido el Mejor del Año, pero ni ese galardón ayudó a soportar la crisis económica que ahora afectaba también a la industria discográfica que se veía inválida por la falta del vinilo para poder subsistir.
En la primavera de 1990 Andrés decidió partir y la dirección elegida fue: España.Allí se unió a Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes de Tequila, en un nuevo proyecto musical, que con los shows y el éxito mediante se transformó en Los Rodríguez. Después de varios años como solista, Andrés volvía a conformar una banda.
Con Los Rodríguez editaron cuatro placas. Pero la que pegó en Buenos Aires fue la primera titulada "Buena Suerte", dado que contenía el tema "Mi enfermedad" que por aquel entonces cantaba Fabiana Cantilo con gran éxito, y que Diego Maradona hizo escuchar al público presente en el estadio el día que debutó en España como jugador en el Sevilla.La tercer placa de Los Rodríguez "Sin documentos" fue un suceso y trajo consigo giras por España y Latinoamérica. Se confirmaba así el reinado de Los Rodríguez con su búsqueda de nuevas estéticas y la incorporación de sonidos ajenos al rock como el flamenco y la rumba.
Sin embargo, y a pesar de todo esto Andrés siguió casi "secretamente" con su carrera solista. Siempre emprendiendo las investigaciones personales, siempre drenando su capacidad para componer, casi mecánicamente, pero con una gran espontaneidad. Le llegó el turno a "Grabaciones encontradas". Tal como lo dice el título corresponde a grabaciones encontradas en baúles, placards de la casa de los padres y temas en los cuales Andrés es acompañado por personajes como Luca Prodan.
La actividad de Los Rodríguez continuaba, el ritmo era feroz. Llegó la edición de "Palabras más, palabras menos", en 1995, y el que terminó siendo el disco despedida de la agrupación titulado "Hasta luego" casi como un designio. Esta placa fue un éxito de ventas y gracias a ello realizaron una gira española junto a Joaquín Sabina.
En el año 1997, cuando la etapa de Los Rodríguez había concluido, Andrés emprende un nuevo viaje. Esta vez con destino a los Estados Unidos. Allí graba con músicos sesionistas los temas de su nuevo disco solista, el primero desde "Nadie sale vivo de aquí", titulado "Alta suciedad". Esta placa demostró y demuestra la innegable de la experiencia y el enriquecimiento en un músico que vivió como quiso y que se dio los permisos para incorporar nuevos sonidos. El funk, el rock, la balada, lo deforme, participan de esta producción. "Alta suciedad" se convirtió en un verdadero éxito. Superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo y trajo consigo giras masivas.
Pero la maquinaria frenética de componer de Andrés no cesaba. En un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999 más de cuarenta canciones estaban listas. En algún reportaje Andrés decía que eran temas que tenían en su composición algo de baquelita de avión, refiriéndose a las mesitas rebatibles de los aviones donde Andrés entre vuelo y vuelo seguía componiendo.
A fines de marzo de 1999 "Honestidad Brutal" estaba listo. Treinta siete temas, casi la misma cantidad de invitados y un nuevo giro en las emociones de este compositor.Seguramente este es sólo un escalón más en su prolífica carrera, que deparará más grabaciones encontradas, más discos de estudios, más giras, más aviones y mucha más baquelita.
Empezó el 00 con 500 canciones bajo el brazo, grabadas en su estudio domestico en su casa de Baires y parte en un hotel de la calle suipacha. Con 300 canciones grabadas en cassetes, en 4 canales, después de recuperar su casa por quejas vecinales y demás, viajo hacia Madrid, donde con los músicos de siempre y amigos, se grabaron las finales 103 canciones que iban a ser parte de un disco quíntupla, "El salmón", histórico para la industria musical, por ser 5 CDS y seguramente para algunos no solo por su extensión, sino por su contenido.

Pero en 2004 y del mismo modo que la energía no desaparece sino que se transforma, una obra de arte nunca se termina, sino que se abandona. Andrés Calamaro abandonó proyectos y temas propios para rescatar temas ajenos desamparados, que no olvidados; abrazándolos, amoldándolos y acomodándolos a su garganta hasta lograr hacerlos propios para, llegados a este punto, abandonarlos otra vez en un nuevo proyecto de nombre El Cantante. Renegando de Orson Welles y del Capitán Ajab, Calamaro se mira ahora en el espejo de clásicos como Carlos Gardel, Rubén Blades o Roberto Carlos para encontrarse de nuevo a sí mismo, dejando de ser salmón para transformarse en un pájaro; no en pájaro asustadizo, sino en pájaro corsario que no conoce alpiste.

El repertorio elegido para la ocasión oscila entre distintas formas clásicas del cancionero iberoamericano, sobresaliendo tango y bolero. Esta diversidad estilística no lo es tanto al estar homogeneizada por un tamiz flamenco (con toque jazz incluído) aprovechando lo que Calamaro denomina una feliz coincidencia entre ese arte ancestral y el swing natural del Río de la Plata. En este proceso de pasteurización y homogeneización melódica mucho ha tenido que ver otra feliz coincidencia, esta vez entre el músico argentino y figuras como Niño Josele, Piraña, Jerry González o Javier Limón Lágrimas Negras.

Y entre esta colección de reinterpretaciones se lleva la palma “Volver”, el viejo y a la vez actual tango de Carlos Gardel, no sólo por el carácter simbólico que representa escuchar la profundidad de sus nostálgicos versos en la voz de Andrés, sino también porque el cantante los asimila y posee hasta el punto de hacer dudar de la autoría del tema. Sí es autor Calamaro de tres temas, no tan inéditos, que aparecen en su nuevo álbum. Además de la inmensa “Estadio Azteca”, merece la pena destacar “La Libertad” en la que comparte paternidad junto a los abuelos Gringui Herrera, en el aspecto formal, y Norberto Pappo Napolitano, en el aspecto emotivo.

A pesar de su grandeza, El Cantante es tan sólo el primer paso del retorno de un nuevo Andrés Calamaro, recuperado para la música y, en segundo plano, para la industria.

No se podría predecir que será de el de acá en adelante, seguramente, seguirá nadando contra la corriente...

Formación:
En 1.987:
Santi Rex, voz;
Nacho Serrano, teclados y programaciones;
Antonio Estación, bajo;
Enrique Bunbury, guitarra y coros.
1.988, entra Pedro Andréu, batería.
1.988, abandonan Pedro y Enrique.
1.989, entre Nacho Saldaña, guitarra, y Manchu, batería.
1.990, se va Manchu.
Del 90 al 92, Quique Mavilla sustituye a Nacho Saldaña.
En 1.994:
Santi y Nacho Serrano, con Salva Horubia, guitarra,
y Jacobo Dobbie, batería.
1.996, se va Jacobo y entra Juan Carlos ("Adios Jumbo").
Zaragoza. Actividad principal desde 1.987 hasta 1.998, aproximadamente.
Techno, primero siniestro y épico y luego más dance.
Grabaciones:
Un montón de maquetas, singles, maxis, remezclas y varios álbumes: 1.989, "Del amor y del odio".
1.991, "Mensajes al viento" (Epic/Sony).
1.993, "Mundos de eclipse" (Epic/Sony).
1.996, "El imperio de los sentidos" (Discos del Amor y del odio).
En la actualidad recopilatorio de sus grabaciones en 2 CD (Lollipop-Colección.
Ventura Discos S.L.) en la colección aparecen grupos nacionales como OLE OLE,
PACO CLAVEL, AVIADOR DRO...
Actuaciones: innumerables, conciertos, partys, TV' s, por toda España. El 5 de enero de 2002 en la Sala Oasis (Zaragoza) actúan nuevamente.
Canciones: "Al oeste", "Amor y espinas", "El tiempo", "Las curvas del placer", "Recuérdame", "Sed de venganza", "Ídolos de barro", "Viernes", "Mentiras", "Pintar tu piel", "Dame tus manos", "Party party", "Como ángeles caídos", "En tu boca", "Balas de hiel",...

La Historia (no resumida)




1982 Es el año de formación del grupo. Lo componen Mariano Chueca (voz y guitarra), Alberto Moliner (bajo), Tito Gracia (voz y guitarra) y Javier Paricio (batería). Se presentan al Primer Concurso de Rock Ciudad de Zaragoza, y aunque no lo ganan se hacen con el favor del público y de los medios que acuden a esa primera cita con el rock zaragozano.

1983 Javier Paricio deja su puesto en la batería a Iñaki Fernández. Numerosas actuaciones en todo Aragón. Reciben la propuesta de un promotor de la ciudad para grabar un primer disco en Alemania.

1984 Graban su primer disco en los Record Way Tom Studio de Frankfurt con Günter Huppert “Hubby” como productor. Hacen allí varias actuaciones y además graban un video clip y un corto con el director de cine Javad Barazany.

1985 Diferencias artísticas hacen que no se edite el disco. Alberto se va del grupo. Mariano, Tito e Iñaki dan vida a otra nueva formación llamada Pécora Jarris con otros músicos colaboradores.

1986 Composición y ensayo de nuevas canciones y actuaciones con la nueva formación.

1987 Grabación de dos canciones en el disco recopilatorio zaragozano “Monegros”. El productor es Alberto Gambino. Posteriormente a esta grabación Mariano, Tito e Iñaki deciden disolver el proyecto Pécora Jarris y continuar sólo los tres como Distrito 14.

1988 Composición y ensayo de nuevas canciones y actuaciones.

1989 Editan “Volver a caer” con el sello Interferencias, con producción artística de Angel Altolaguirre.

1990 Alberto regresa al grupo que recupera de este modo la formación original. Trabajan en nuevas canciones con el guitarrista Ollie Halsall (Soft Machine, Kevin Ayers, Radio Futura...).

1991 Graban una maqueta con Ollie en la que se encuentra la canción “Días de Gloria” que llama la atención de las compañías discográficas.
Entra a formar parte del grupo Enrique Mavilla que se encargará del piano, órgano y guitarra acústica.

1992 Firman con EMI y graban el nuevo disco “El cielo lo sabe”. Comparten escenario con Peter Hammill el 12 de Octubre en Zaragoza..



1993 Sale a la venta un minielepé “edición especial” llamado “Días de Gloria” y el álbum “El Cielo lo Sabe” que les da a conocer en toda España.



1994 Francisco Jaraba sustituye en la guitarra a Tito. Trabajan en nuevas canciones retirados en una casa de campo cercana a Zaragoza, que denominan “El Milagro”. Esta casa es propiedad de un norteamericano, gran amante de la música, que se convertirá en el productor ejecutivo del nuevo disco “La Calledel Sol” . Su nombre John Evans.

1995 Grabación, en Sonoland (Madrid), dirigida por el grupo y editada con su propio sello “Grabaciones el Milagro”. El nuevo disco “La Calle del Sol” cosecha muy buenas críticas en España aunque la difusión es pequeña. Pero es escuchado de forma casual por instituciones culturales de Santiago de Cuba que muestran a partir de entonces gran interés en Distrito 14.

1996 El Ateneo Cultural de Santiago de Cuba les organiza una gira en las provincias orientales donde obtienen gran reconocimiento. Son el único grupo de pop o rock no cubano, hasta hoy, que ha tocado en gira en el oriente de la isla.

Reciben el “Diploma del Pueblo Santiaguero” al mérito artístico y humano.
Al regreso graban su primer disco en directo, en Zaragoza. Se llamará “Nochescon sol”.

1997 Sale a la venta “Noches con Sol” y llega hasta una productora norteamericana que les organiza una intensa gira en California y Nevada en el mes de Junio. Obtienen gran repercusión en los medios latinos de EEUU dedicados al pop y al rock. Al regreso son los encargados de abrir dosconciertos de David Bowie, en Zaragoza y San Sebastián

1998 Nueva gira en el oriente cubano con Juan Millán como nuevo batería. Allí graban el disco en directo “A Mitad del Camino”, en Santiago de Cuba. Con la incorporación de sección de cuerda y coros de Santiago, es producido por Carlos Martos y mezclado posteriormente en Sonoland (Madrid). Es el único disco “en vivo”, hasta la fecha, grabado en Cuba por un grupo no cubano.También actúan en el templo sagrado del espectáculo en Santiago, elTeatro Heredia.

1999 Sale a la venta el disco-libro “A mitad del camino”. Contiene un diario de la grabación, “Diario de un sueño”, escrito por Mariano Chueca (voz, guitarra y compositor del grupo). Gira de tres meses en EEUU donde es editado el disco “Noches con sol”. Gran repercusión en los medios latinos y en anglos, como el periódico Newsday de New York. Comparten el legendario escenario del Aragon Ballroom en Chicago en dos ocasiones: con Jaguares y con Fabulosos Cadillacs y Rabanes. Entre las dos actuaciones son vistos y escuchados por 12000 personas. Al final de la gira graban un nuevo disco en directo en la sala Martyr´s de Chicago con Jack Letourneau como productor (Yardbirds, Animals, Andy Summers).

2000 El nuevo disco se llama “Live in Chicago” y es editado en España. Durante todo el año actúan en los EEUU. Son invitados a dar un concierto en el Festival de música independiente más importante, el SXSW, en Austin (Texas). Hacen un alto en el camino americano para abrir los conciertos de la gira española de Sting en Murcia y Granada. Participan en la primera edición del festival alterlatino más importante, el LAMC, en New York, donde tienen fijada su residencia. A finales de año el disco “Live in Chicago” llega a las tiendas de los EEUU editado por el sello de Miami DLN. En Noviembre graban en los estudios Paragon de Chicago dos canciones como preproducción de un nuevo disco. Con Jack Letourneau como productor y colaboración de Tomas Ford (Candle Box, Get Christie Love). Es el primer destello de su disco actual “El sueño de la tortuga”.



2001 Continúan con las actuaciones en los EEUU. Alberto deja el grupo y Enrique se hace cargo del bajo. De nuevo actúan en el LAMC de New York. Críticas en prensa especializada anglo, como CMJ, los alaban. Continúan los artículos y entrevistas en las revistas musicales latinas más importantes en los EEUU dedicadas al rock y pop como La Banda Elástica de Los Angeles, RPDT en Chicago, Boom en Miami o +Vértigo y Clandestino en NYC. Graban siete canciones por sorpresa, en directo, para la emisora de radio por satélite más escuchada en los EEUU, Sirius Satellite Radio. En Junio deciden regresar a España para grabar lentamente el nuevo disco “El sueño de la tortuga”.



2002 El grupo se reduce a trío: Mariano (voz y guitarras), Enrique (bajo y teclados) y Juan (batería). Permanecen los tres meses de invierno aislados en el Monasterio de Veruela (Zaragoza) dando forma a las nuevas canciones. En primavera comienzan a grabar en Sonoland con Carlos Martos como productor. Mané Larregla se une al grupo como guitarrista “oficial”. Antonio Vega colabora grabando los coros de la canción “Valium & Champagne”.

2003 Las nuevas canciones, aún en proceso de grabación, llegan a oídos del manager Iñigo Argomániz (Get In) que entusiasmado decide buscar una compañía que las edite una vez esté terminado el trabajo. Mariano Chueca actúa en solitario en dos conciertos acústicos de Navidad en New York invitado por la revista +Vértigo.



2004 DRO EAST WEST reafirma la opinión de Iñigo y firma con Distrito 14 un contrato para sacar el nuevo disco a la venta. El grupo decide que el número cambie por letra en el nombre, que a partir de ese momento es distritocatorce, todo seguido. El nuevo disco “El Sueño de la Tortuga” sale a la venta en España el 17 de Mayo. Sin haber sido editado todavía en EEUU, el primer single “Valium & Champagne” es durante tres meses número uno en las listas de la emisora Radio Arte (Chicago). El 12 de Agosto actúan de nuevo junto a Peter Hammill. Es en el festival “Luna Lunera” (Sos del Rey Católico). Gustavo Siibert en los teclados y Jaime Lapeña al violín y viola son los encargados de acompañar de forma “oficial” al grupo en sus actuaciones.. El 1 de Octubre recogen los premios al mejor álbum por “El sueño de la tortuga” y a la mejor canción por “Valium & Champagne” en Los Premios de la Música Aragonesa. Estos premios son otorgados por votación del público. El 3 de Octubre abarrotan de público la iglesia del Monasterio de Veruela en concierto acústico, que es filmado y grabado para posteriores ediciones especiales.

Un soplo de un nuevo aire abre las puertas del carrusel para hacer girar a 15 sorprendentes historias guiadas por la disciplina de cuatro artistas:

Subido en el grito de la conciencia y de la filosofía social: Morti, cantante del desaparecido Fantástico Hombre Bala, desgarra la actualidad con la voz romántica de su sinceridad.

Con paso desequilibrado en el borde: Carlos Ann, trasmitiendo una extraña nostalgia de Tom Waites y descansando en cínicos clamores, es el encargado de trasladarnos a viejas épocas

Apoyado a su larga experiencia Enrique Bunbury seduce ,con un tacto mucho más perfeccionado y un merecedor estilo consagrado, el juicio público y la emoción de las palabras

Sentado en la peculiaridad y en el arte catalán-andaluz, Shuarma, cantante del conocido grupo “ Elefantes “, palmea con un estilo propio el eco de la modernidad y la serenidad.

Coros tranquilos y desquiciantes perfectamente acoplados a letras mágicamente impregnadas en diferentes estilos, se esconden en la moneda que paga el código del honor musical. Palabras punteadas por metáforas, estudiadas y creadas por críticos redobles, dirigidas por la independencia del cuarteto y acompasadas por trombones y arrastres eléctricos vibrados por el gramófono...

Arrimándose entorno al blues, al vals, al sonido electrónico, al tango, a la rumba, a un poético recital, al indie pop de los 80.. visten cada uno con sus mejores ropas la innovadora y temporal atracción instalada en el circo de la incomprensión, la incertidumbre, el desamor, el amor, la ira, el anhelo, la amargura, la represión, la protesta, el optimismo, la soledad..

El código ético de Bushido es:

» La felicidad
» Infectado de tu amor
» Desmejorado
» España
» Rusa-Romana
» As de copas
» Golpe en la sien
» Sex food
» Pulso firme
» L’amour
» Magenta
» Te esperaré
» Entra conmigo
» Aleteo
» La felicidad II

Bushido, existencia breve......... sonido perdurable.

Barcelona empezaba a sufrir el verano en 1994. Aunque tendría que pasar un año en consolidarse, Elefantes plantó su semilla por aquél entonces.

Jordi estaba tocando la batería con un grupo que se disolvió a los pocos días. Fué tal dicha disolución, que hasta abandonaron el local de ensayo con su equipo de sonido dentro. Solo había que encontrar guitarrista, bajista y un nombre.

La primera oferta fue para Hugo, antiguo compañero de grupo de Jordi. Después de un par de ensayos no aceptó. Las canciones de esa época, composiciones de Shuarma heredadas de su antiguo grupo, eran puro y crudo rock & roll, y Hugo, que tenía su propia banda como cantante, prefirió seguir su camino.

Al cabo de pocas semanas Hugo y Jordi viajaron a Inglaterra para asistir al Reading Festival, y esa experiencia fue como una revelación. Un punto de cambio natural. Tiempos de descubrimiento y de atrevimiento en un terreno muchísimo más cómodo para unos chavales que habían quemado sus primeros cartuchos con el rock & roll o el heavy metal. Sin tampoco dejar de lado influencias pasadas, las sonoridades pop de la época adivinaban el horizonte hacia el cual había que dirigirse.

Shuarma y Jordi intentaban en vano completar la formación. Ensayaban solos y grababan maquetas caseras. En esos días a Shuarma se le ocurrió el nombre del grupo: Elefantes. El nombre se debió a que Shuarman pinsó en la necesidad vital de hacer canciones. En otras culturas se asocia al elefante con todo lo relacionado con el alma así que Elefantes era eso. Un grupo con alma.

Luego vino Gelo. Un bajista con el cual pudieron empezar a trabajar como trío. Pese a que la conexión estilística era nula, Gelo era muy buen bajista, y hasta se llegó a hacer una sesión de fotos y un pequeño concierto en Julio del 95. Era una manera de echar para adelante. Pero Gelo se quiso ir, lo cual no supuso ningún trauma. Casi a la vez que Hugo pidió por fin entrar en la banda. Antes de que Gelo se fuera, se prestó a grabar lo que sería la primera maqueta de estudio de Elefantes. Era Septiembre y grabaron en un día 6 canciones: "No hay", "Para nada", "Las flores del mal", "Intro", "Duérmete" y "La muerte".

Ya un grupo con maqueta, y la necesidad de un bajista, muy urgente. Hugo conoció a Julio en un concierto, y directamente le propuso ir a ensayar. Sus referencias como bajista no eran muy halagüeñas, así que bajo la condición de que se le podría cambiar por otro bajista con más experiencia, empezaron a trabajar. La personalidad de Julio suplió en un principio las primeras dificultades y casi sin tener conciencia de ello, por fin Elefantes era un grupo de verdad.

El primer concierto tuvo lugar el 13 de Octubre de 1995, en la sala Aspid de Barcelona. Presentaron todas sus canciones y un montón de versiones. Tanto la maqueta como los conciertos tuvieron muy buena acogida, y eso permitió al grupo seguir tocando allí todas las semanas durante 7 meses.

Eran tantas las ganas de tocar en directo que no importaba el dinero, ni el lugar ni las condiciones técnicas ni físicas. Tanto fue así que en esa época se pudo a ver a Elefantes tocando en los sitios más insospechados como bares de copas, fiestas privadas, cárceles o puticlubs. Conciertos acústicos o no. Media hora o dos pases de hora y media. Versiones de todo tipo, improvisaciones suicidas, tocar, tocar, tocar.

Después de una segunda maqueta con temas como "Pretendes", "¿Dónde estoy?", "El Payaso", "Ves luz" o "Tu vida", el grupo buscaba actuar en sitios más acordes con el estilo de música que iba definiendo, encontrándose que hacía falta algo más que un par de maquetas para poder acceder a circuitos de salas más interesantes, y ante la falta de propuestas de alguna compañía discográfica, con el dinero ahorrado de las actuaciones el grupo decidió financiarse un EP.

Cece Giannotti era el líder de una maravillosa banda barcelonesa llamada Traditional Tourist. A él se le propuso producir el disco. Era Agosto de 1996, y el grupo alquiló los Estudios Montseny para grabar 5 canciones: "No hay", "Debemos seguir", "Pretendes", "Para nada" y "Piano 1". Gracias a la magia de Giannotti el disco pudo mezclarse en Boston consiguiendo un sonido que superaba las expectativas del grupo para las 400.000 pts que tenía de presupuesto. Poco más tarde, la discográfica La Col Records cobro 15.000 pts por ceder su sello para que Elefantes lanzara el EP, sin título genérico, en una edición limitada y numerada de 500 ejemplares, con una cuidada presentación con postal y libreto externo, todo ello dentro de una caja de cartón.

Dicho EP tenía un carácter eminentemente promocional. Se vendieron copias en conciertos, y en las tiendas FNAC de Madrid y Barcelona. El resto se esfumó en emisoras de radio, publicaciones y compañías discográficas. Las críticas definieron Elefantes como un grupo de pop rock muy elegante y oxigenado, con buenas composiciones, textos inteligentes e imagen muy glamourosa.

La producción de Giannotti fue fundamental para un grupo con muy poca experiencia en estudio, pero con muchas ganas de explorar las posibilidades que ofrece una grabación. El paso del tiempo ofrece una visión de este disco como un buen reflejo del carácter del grupo en esa época. "Elefantes" es un primer paso hacia algo más.

Y algo más es lo que ofrece el siguiente disco: "El Hombre Pez". Pero para ello todavía tendrían que esperar 18 largos meses. Tiempo en el que el grupo ya se plantea como una necesidad absolutamente vital el desarrollo de la música como expresión artística global. Tiempo de crisis internas, individuales y colectivas, lucha de egos sin cuartel, dificultades económicas, situaciones límite con grandes presiones, grandes triunfos y decepciones.

Echando la vista atrás se dan cuenta de que el haber superado esa época y seguir adelante consolidó a Elefantes como banda, y tan cerca estuvo de disolverse que lo que pasó en realidad fue totalmente lo contrario; se sentaron las bases de lo que es Elefantes hoy en día: un grupo con fuertes personalidades, equilibradas por la capacidad de diálogo y el respeto artístico. Con los conciertos de entonces pasaba lo mismo. Eran más furiosos y viscerales que nunca. Tan arriesgados en su planteamiento como desiguales en su resultado. Durante esos meses, concretamente en Julio del 97, Elefantes incluyo en un CD recopilatorio de La Col Records la canción "¿Dónde estoy?", y grabó un videoclip de "Pretendes".

Toda esta vorágine dio como resultado un paquete heterogéneo de canciones, en las que luz y oscuridad conviven sin complejos en el mar de ilusión que propone el Señor Pez. El disco se grabó entre Enero y Febrero de 1998 en los estudios PAC, con la ayuda del incomparable Didier Richard en los controles técnicos.

La producción corrió a cargo del propio grupo, en su determinación de llevar hasta el final lo que el grupo buscaba expresar. La falta de experiencia en producción no pone el disco a la altura de sus posibilidades, canciones soberbias como "Más que tú a yo", "Te querré y tu me perdonarás", "El Pez II", "No quieres más" o "Y sin respirar", por citar algunas, conforman un disco dominado por una idea: la metáfora del Hombre Pez. Una mirada interior hacia el interior de los demás.

Elefantes se encontraba libre de contrato discográfico. No había manera de conseguir que alguien estuviera dispuesto a apostar por el grupo con garantías claras de proyección. Poco "indie" para el circuito "indie", demasiado difícil para el circuito comercial, el grupo andaba ahí entre dos aguas, con el master de "El Hombre Pez" quemando en las manos.

Después de algunas negociaciones, AZ Records fichó a los Elefantes. El grupo era consciente que no había dado un gran paso adelante, pero era lo que había y no se podía parar. Un peldaño más en la carrera, esperando la oportunidad en un futuro no muy lejano de poder dar en el clavo de una vez por todas.

Por aquél entonces Elefantes rompió relaciones con Alberto García, manager del grupo desde los inicios, quedando a la expectativa de las capacidades del equipo de AZ, y obteniendo una contundente respuesta: 172 discos vendidos en un año. 3 presentaciones en directo. Media docena de artículos en prensa. La trayectoria de AZ revelaba una intención evidente de sepultar "El Hombre Pez" a la espera de nuevas canciones que hicieran pensar en vender el grupo a una multinacional. Eso o ahogar al grupo en su propio contrato.

¿Cómo combatir contra esto? Trabajando más duro todavía. La inquietud provocada por el negocio de la música se vio contrarrestada por uno de los mayores aciertos que nunca tuvo el grupo: la incorporación en Septiembre del 98 del pianista Jaime de Burgos como músico para directos y grabaciones.

Las nuevas canciones pedían a gritos un poco más de aire, una clara ampliación en las sonoridades. Necesitaban pianos, órganos, acordeones, violines, ruidos..... Había tantísimas cosas que podían probar en las canciones, que los primeros ensayos con Jaime recordaban a los inicios del grupo. Les dio el empujón necesario para cohesionarse todavía más como músicos. También les hizo sentirse algo menos rockeros. Ya no sonaba a cuarteto.

A un concierto que Elefantes dio en Zaragoza fue a verlos Enrique Bunbury recomendado por un amigo común, Morti, cantante de los desaparecidos El Fantástico Hombre Bala, ahora con su nueva banda Ex-Mundus. A los pocos días Shuarma envía a Bunbury una maqueta con algunas de las nuevas canciones.

Bunbury acude a la presentación de "El Hombre Pez" en Barcelona en Marzo del 99, y seguidamente propone a Elefantes producir el próximo disco y ayudar a encontrar una discográfica que le interese el proyecto.Lo que ocurrió en este sentido en el siguiente año, y para no aburrir al lector, se podría resumir como que costó "un poco" obtener la libertad del contrato con AZ Records.

En Noviembre de este mismo año, y de la mano del amigo Carlos Ann con su sello Moviedisco, Elefantes aporta el tema "El cielo se va" a un disco recopilación de promoción de la tarjeta Blue Joven del BBV.

Mientras, los nuevos temas iban cayendo uno detrás de otro. Hugo amplió su equipo y el sonido de sus guitarras era cada vez mejor. Tanto Shuarma como Hugo compraron unos equipos de grabación digital, para poder hacer maquetas con muy buen sonido dentro del local de ensayo, y por primera vez el grupo podía pasarse horas grabando, mezclando, experimentando.

Fue un cambio de velocidad. La capacidad de trabajo aumentó enormemente, y el control sobre el resultado de las canciones era mucho mayor. Grabar y mezclar una canción les llevaba unas 16 horas. Era lento y muy laborioso, pero cuando la terminaban les parecía la mejor canción del mundo. Hasta Abril del 2000 grabaron 26 canciones, 13 de las cuales definirán "Azul".

En "Azul" la madurez en las composiciones de Shuarma es ya muy notable. Elefantes es más que nunca un grupo que toca canciones. Como siempre ambiguo y heterogéneo en la forma, pero con ese hilo argumental que son los sentimientos implicados en cada una de las canciones. Distintos puntos de vista sobre algo muy primario.

Un disco pop. Un disco de luz. Positivo en la sonoridad, dejando el contrapunto oscuro para los textos. Seguramente si hubieran llevado las canciones a un terreno más áspero, se descubrirían muchas cosas más de los textos, cosas que no les apetecía explorar. Los directos quizás son más viscerales, pero para "Azul" buscaban otra cosa. Querían hacer un disco muy grande.

Habiendo fichado felizmente por Hispavox, la grabación de "Azul" se realizó de Mayo a Agosto del 2000, grabado por Gonzalo Castro en los estudios Sintonía de Madrid y mezclado en Music Lan, Figueres (Girona), por Joan Trayter.