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ESGARRO

O 28 de maio... REM!!

O 28 de maio... REM!!

O 28 e maio tódolos fans de REM poderemos ve-la mítica banda no estadio Xixones das Mestas, polo precio de 30 euros.
REM está a xirar por todo o mundo promocionando o seu último disco,Around the Sun e prometen non decepcionar. Vémonos.

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Judas Priest veñen a Galiza

Judas Priest veñen a Galiza

14 de Abril, concerto de JUDAS PRIEST na Coruña (Coliseum)
Realmente o concerto de antonte era un dos máis esperados do ano en Galiza, porque ante todo Judas Priest son un clásico. Os Judas tiveron como teloneiros a Barón Rojo, grupo que xa de por si atraeu a un bo número de seguidores e o Coliseum estaba case cheo.
Ainda así, e como non podía ser doutra maneira, houbo diversidade de opinións.Oeuse de todo. Houbo quen se emocionou con Judas de comezo a fin, a quen lle pareceu dantesco e mesmo quen esixía que voltase actuar Barón Rojo.
Os Judas tentaron manter animado ó público con temas míticos coma Breaking the Law, pero de calquera xeito os anos xa lles pesan (lóxico tamén) sobre todo para o cantante que semellaba que non se podía mover e abusba da montaxe tentando disimular. Por outro lado o son foi canto menos horripilante, cando é o menos que se lle pide a 30 euroazoz de entrada.
De calquera xeito, o xoves na Coruña houbo rock a fartar e un ambiente... (jeje)estimulante.

EL mar no cesa

EL mar no cesa

En 1988, el disco debut de los zaragozanos Héroes Del Silencio marcó un cambio estilístico en lo que ha composición musical en España se refiere. La banda liderada por Enrique Bunbury inventa su propio estilo con este disco. Un estilo marcado por música rock, con fuertes dosis épicas, y letras incontrolables, un torbellino de ideas que se plasman de manera casi mágica con la música. Como si de alquimistas sónicos se tratara Héroes consiguen la fórmula para convertir la música en magia.

1. Mar Adentro
y por fin he encontrado el camino
que ha de guiar mis pasos,
y esta noche me espera el amor
en tus labios.
de cada mirada, por dios,
ardía el recuerdo en mi interior,
pero ya he desechado
por siempre la fruta podrida.
en la prisión del deseo estoy.

y aunque deba cavar en la tierra
la tumba que sé que me espera,
jamás me vio nadie llorar así.
¡que termine un momento precioso
y le suceda la vulgaridad!
y nadar mar adentro
y no poder salir.
en la prisión del deseo estoy
junto a ti.

y por fin he encontrado el camino
que ha de guiar mis pasos,
y esta noche me espera el amor
en tus labios.
de cada mirada, por dios,
ardía el recuerdo en mi interior,
y nadar mar adentro
y no querer salir.
en la prisión del deseo estoy.
en la prisión del deseo estoy
junto a ti.
en la prisión del deseo estoy
junto a ti.

2. Hace Tiempo
tengo momentos en que sólo recuerdo
una conversación.
quizás sólo fueran palabras desnudas
pero ven, corazón.

hace tiempo que ya no te veo.
quizás no te llamo
porque no me atrevo.
hace tiempo que ya no te veo.
¿habremos cambiado?
¿quizás a peor?

tengo momentos en que sólo recuerdo
una revolución.
guerreros salvajes con armas de barro,
¿en qué se quedó?

hace tiempo que ya no te veo.
quizás no te llamo
porque no me atrevo.
hace tiempo que ya no te veo.
¿habremos cambiado?
¿quizás a peor?
¿quizás, quizás, quizás a peor?
¿quizás a peor?
¿a peor?
¿quizás, quizás, quizás, quizás a peor?

hace tiempo que ya no te veo.
quizás no te llamo
porque no me atrevo.
hace tiempo que ya no te veo.
¿habremos cambiado?
creemos que sí.

3. Fuente Esperanza
ocultarme como un río subterráneo,
gritaba como un niño de inevitable temor.
una mala borrasca me hizo buscar
un poco de calma en un sueño a escondidas.

siempre buscando una fuente
para poder respirar.
cuando diviso un pasadizo a lo lejos
creo enloquecer.

apartarme de los ruidos que escuchábamos ayer.
perderme en el olvido solitario.
y echaré por tierra todo un mundo creado
desde tiempos de Eva en un pozo sin fondo.

siempre buscando una fuente
para poder respirar.
cuando diviso un pasadizo a lo lejos
creo enloquecer.

4. No Más Lágrimas
¡silencio! he oído una voz
es posible que alguien se acuerde de mí.
no puedo, trágica luz
siento tus ojos ocultos en nombres
tantos nombres ...

aunque el aire no sepa qué ocurre
el viento se lleva lo que acontece.

¡silencio! he oído un rumor.
quería encontrarme un abismo.
el miedo justo a tiempo
sólo un segundo escarbando en vacío,
tan vacío ...

aunque el aire no sepa qué ocurre
el viento te arrastrará,
te arrastrará.

no puedo oir tu voz siempre lejana
oh, no, tan lejana.
no quiero oir tu voz siempre quebrada
oh, no ...

no puedo dormir con esas lágrimas
goteando encima de mí.

5. Olvidado
buscando entre las sombras.
voy sin rumbo
hacia la luz,
con la mente desnutrida
y cegado por mi destino

olvidado, olvidado, olvidado, olvidado ...

y siento el suelo bajo el patio.
alguien entra en la ventana.
la paloma vuela bajo
con peligro y sin venganza.

olvidado, olvidado, olvidado, olvidado,
olvidado, olvidado ...

mi futuro estoy buscando
en un torbellino de gatos,
algún día encontraré
buscando entre las sombras

olvidado, olvidado, olvidado, olvidado,
olvidado, olvidado ...
olvidado, olvidado ...

6. La Lluvia Gris
la lluvia gris se deshace en recuerdos
se desliza una gota, un segundo, un deseo.
tan solo una palabra por ti
una palabra por ti.

la lluvia gris desnuda una máscara
sólo por un beso no debo callar.
tan solo una palabra por ti
una palabra por ti.

la lluvia, casi siempre un rechazo
tan larga es la espera en mi corazón.
apártame del peligro, cariño.
el hambre muere en la oscuridad.
apártame del peligro, cariño.
el hambre muere ...
en la oscuridad.

tan solo una palabra por ti
una palabra, una palabra.
tan solo una palabra por ti
una palabra tan solo quiero oir.

7. Flor Venenosa
no encuentro palabras para decirlo
y a veces siento
que el pensamiento
es un idioma de signos ... sin sentido.

no siempre entiendo qué sucede conmigo
zarandeándome voy
hasta que caigo
terriblemente borracho.

tan solo déjame estar
un momento a solas.
tan solo déjame en paz.
este intervalo de tiempo
que siempre he estado perdiendo.
quizás en este precioso momento
pueda ser ...
como tú, como tú, como tú, como tú ...

prefiero explotar de tanto alcohol
con tu jarabe de flor venenosa,
y vender a una madre
por otra copa.

tan solo déjame estar
un momento a solas.
tan solo déjame en paz.
este intervalo de tiempo
que siempre he estado perdiendo.
quizás en este precioso momento
pueda ser ...
como tú, como tú, como tú, como tú ...

8. Agosto
la sangre gitana que llevo dentro
se mezcla en cóctel
de dulce sabor.
en la sangre gitana que llevo dentro
me arde fuego,
de mis manos, directa al corazón.
y de madrugada, alma de alhelí,
sobrevuela, trastornando marea,
cada madrugada, alma de alhelí,
y no lo siento por mí.

tarde o temprano
me perderé en cadenas.
una vez en la vida
debo encontrar dentro de mí
una noche de agosto
mi alma perdida
que arrojé al mar.

tierra prometida que nos pertenece
por obra, por arte,
y por gracia de dios.
tierra prometida que nos pertenece,
¿qué más nos da
ser moro o cristiano,
si hay para los dos?
en la sangre gitana que llevo dentro
me arde fuego,
de mis manos, directa al corazón,
al corazón ...
una vez en la vida
debo encontrar dentro de mí
una noche de agosto
mi alma perdida
que arrojé al mar.

9. El Estanque
las leyes salvajes
empañan mi huida,
el estanque no para de crecer.
tanto sube el nivel,
el mar
se derrama ahogándome,
ahogándome.
sólo hay arena.

sólo en este momento,
el malentendido,
el estanque, el estanque,
tanto sube el nivel,
el mar
se derrama ahogándome,
ahogándome.
sólo hay arena.

10. La Visión de Vuestras Almas
y me pierdo entre dos signos
y las mentiras de los libros
¡qué mentirosos que son!
que cada amanecer proponen
cavar muertos, sembrar ruidos
y no puedo recordar
la visión de vuestras almas
al pecar,
la visión de vuestras almas
al pecar.

aunque la historia no fuera cierta
-que no lo es-
mi ignorancia me condena
a robar ...
... el tiempo a los de atrás.
atreverse no merece la pena
y no puedo recordar
la visión de vuestras almas
al pecar,
la visión de vuestras almas
al pecar.

¡la visión ...!

y no puedo recordar
la visión de vuestras almas
al pecar,
la visión de vuestras almas
al pecar.

no entiendo más que signos
de la locura del testigo.
¡qué loco está!
que cada atardecer quisiera
sembrar muertos, cavar ruidos
¡despiertos!

y no puedo recordar
la visión de vuestras almas
al pecar,
la visión de vuestras almas
al pecar.

¡la visión!
¡la visión!

11. La Isla de Las Iguanas
la iguana ...

12. ... 16
quebrados recuerdos... de un ayer
tu risa vulgar ... agobiándome.
los sueños de un antiguo grito de dios
los signos se hicieron... para los dos.

y no sé como podré cumplir el castigo,
no sé como podré cumplir el castigo ...

las ruinas de memphis
y la inquietud
no pudo entender
aquella actitud.
por no apretar el gatillo y matar
quise evitar tanta tensión,
creí más en la suerte
que en los juegos de azar.
cualquier precaución es poca
para el amor.
entre las sábanas de seda
tú y yo ...

y no sé como podré cumplir el castigo,
no sé como podré cumplir el castigo ...
no sé como podré cumplir el castigo ...

13. Héroe de Leyenda
siempre en la oscuridad
la voz no tiene sentido.
el silencio lo es todo.
héroe en su propio olvido.

en sus ojos apagados
hay un eterno castigo,
el héroe de leyenda
pertenece al sueño
de un destino.

encerrado en el tiempo
ha perdido el valor
para escapar de su celda
el héroe sin ilusión.

en sus ojos apagados
hay un eterno castigo,
el héroe de leyenda
pertenece al sueño
de un destino.

ANDANZAS DE UN DUQUE BLANCO

ANDANZAS DE UN DUQUE BLANCO

“En plena adolescencia, en la función de Navidad del colegio allá por 1962,
David encabezó el programa tocando el saxo con su grupo
George and The Dragons. La actuación fue un verdadero éxito”.

Frases como estas suelen abundar en las biografías que parecen querer hacernos creer que los artistas no se hacen sino que nacen. Sin embargo hay un poco de ambas cosas.

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Los primeros años de su vida vivió en una zona pobre habitada por familias que tenían algo en común: sus casas habían sido destruídas por el bombardeo a Londres.

Influenciado por su hermano Terry, David se acercó al jazz y a los escritores beat como Kerouac y Allen Grinsberg.

Las transformaciones serían un rasgo característico en su camino. Como siguiendo al pie de la letra la frase de Tom Waits: “No puedes dejar de estar en movimiento, ningún perro ha meado sobre un coche en marcha”, el medio en el que David se sintió cómodo fue el artístico y el estético, y el soporte intelectual: su mejor argumento. Pintar, escribir, cantar, diseñar ropa, actuar; cualquier camino hacia la expresión se presentó ante su mirada como útil para decir cosas.

Para 1966 adoptó el nombre que lo haría reconocido en todo el planeta: David Bowie. Algunos sostienen que el nombre fue tomado de la marca de un famoso cuchillo de caza americano, otros: que es el apellido de alguna de las ramas familiares de su madre. Su carrera a partir de entonces estuvo signada por los cambios y la experimentación. Aquellas épocas en las que tocaba donde podía, como una especie de marciano desesperado por hacer llegar su mensaje a alguien, fueron quedando atrás gracias a una suma de talento y esfuerzo.

Sin duda los ‘70 fueron su tiempo. Siempre en el equilibrio, como un ejemplo de la modernidad y de una década específica que cuestionaba límites (hija del MayoFrancés y del fracaso de los dorados ‘60), Bowie oscilaba entre la vanguardia y lo espectacular de la cultura mediática.

Como ejemplo alcanza ver la variedad de personajes que lo acompañaron en los diversos pasajes por los que transitó su carrera artística. Desde Mick Jaegger hasta Iggy Pop, desde Warhol a Lou Reed, los músicos y artistas más representativos de la época, ya desde un lugar de estrellas consumadas o como simbólicos exponentes vanguardistas, aparecían junto a su nombre dadas diferentes circunstancias.

Su carrera, que bien podía ser desarrollada a lo largo de muchas páginas, dejó discos antológicos, videos históricos y películas como El Hombre que Cayó a la Tierra, Laberinto, El Ansia, y otras tantas donde lejos de aparecer como un músico exitoso dedicado a la actuación por cuestiones de marketing, demuestra que no es más de lo uno que de lo otro sino que pertenece a una especie en extinción de artistas integrales.

Inquieto, siempre buscando sus propios límites, siempre cambiando, siempre sorprendiendo. Los escenarios lo vieron con una simple guitarra acústica, con una super orquesta, con una banda conservadora, vestido de caballero inglés, de dama provocativa y hasta de una especie de bizarro marciano de cabaret. Aquel chico nacido en Brixton dio el mejor ejemplo de una vida en constante transformación cuando allá por el ´72 se convirtió en Ziggy. La puesta en escena, en la que colaboró nada menos que Lindsay Kemp, mostraba un escenario construído a distintos niveles y con andamiajes que facilitaban los cambios de vestuario. Aparecían sobre las tablas no sólo los Spiders Fron Mars y los músicos sino también el grupo de danza de Kemp. Hielo seco, luces y el espectáculo de rock más extravagante que se haya presentado en Gran Bretaña fue sin duda uno de los puntos más altos en la camaleónica carrera de Bowie, pero la controversia estaría presente como en cada uno de sus proyectos; mientras algunos (como Lou Reed) catalogaron al espectáculo como el más maravilloso que habían visto, otros no dudaron en esbozar críticas encarnizadas sobre la estrella de rock y el sobrepeso de ese Kemp que bajaba con disfraz de ángel mientras Bowie entonaba “Star Man” para cerrar con una versión sollozante de “Over The Rainbowl”.

Así, el Duque Blanco, llegó a todos los límites estéticos, bordeó todas las fronteras musicales, y esa curiosidad inquieta y esa búsqueda permanente de códigos novedosos es lo que aún lo mantiene tan vigente.

Bowie no se privó de nada: teatro, cine, música y cuanto medio expresivo pudiera enumerarse fue recorrido con su estilo de manera eficiente.
Hacer un punteo de su discografía y filmografía no haría más que corroborar la productividad de este artista.

Ziggy Stardust, Suffragette City, Changes, Fame, Ashes To Ashes, Fashion, Heroes, Modern Love, Blue Jean y una larga lista de temas que se acrecienta con cada disco nuevo han quedado como marca registrada de un artista que, de tan influenciado, se ha vuelto uno de los más influyentes y que, de tan abierto a los cambios, volvió imposible, a los gustosos de los generalismos, encontrar en pocas palabras un término acabado de lo que su obra representó en las últimas tres décadas.
La última travesura de Bowie lo encontró protagonizando junto al novelista William Boyd un episodio creativo por demás significativo en muchos aspectos. Reuniendo a la crema del mundillo artístico y a los críticos neoyorquinos más renombrados presentaron la biografía de «Nat Tate», un pintor exquisito y depresivo que, luego de quemar toda su obra, saltó desde el ferry para darse muerte a corta edad de 31 años. Muchos comentaron la maravilla de su obra y otros, inclusive, hacían alarde de haberla visto. La gala terminó con Bowie legitimando la cuestión leyendo fragmentos de la biografía escrita por Boyd.

Días después se conoció la verdad, pequeño detalle: el pintor Nat Tate jamás existió.

Debe haber sido imperdible el momento en que Bowie y Boyd rieron de la broma, que no hizo más que dejar en ridículo cierto aspecto real del mundo del arte, pero más fascinante aún debe haber sido estar en el momento en que los críticos parlanchines se enteraron de la verdad.
Más allá de anécdotas como esta, David Bowie es todo un símbolo de la época más turbulenta y destellante de la historia de la música moderna.

Las andanzas de este duque parecen no tener fronteras en lo que a la esfera cultural se refiere. Musicalmente está, como siempre, preparando material para una nueva placa; como se aburre con una sola tarea se hizo tiempo para fundar una editorial y una galeria de arte a la cual podemos acceder, mediante internet (www.bowieart.com/), tanto para curiosear sus obras como para comprarlas.

Mucho es lo que se podría agregar de este artista, ya desde la crítica o desde una posición de devoto admirador de su obra. Lo indiscutible de la cuestión es que Bowie parece resistir el paso del tiempo con solvencia, apoyado sobre una fórmula que le impide estarse quieto. Escribió páginas importantes de la historia musical de las últimas décadas, se mostró alternativo, pragmático, comercial, vanguardista , equilibrado y extremista a la vez. Hoy, mitad figura de culto por su pasado, mitad admirado por su presente, David se muestra tan vigente como siempre. Siempre un paso adelante, atrás o a los costados, pero nunca «parte del rebaño». Bowie parece tener las llaves de la máquina del tiempo.

Festival do Norte de Vilagarcia de Arousa

Festival do Norte de Vilagarcia de Arousa

Bunbury, entre otros, en el Festival del Norte de Vilagarcía

Vilagarcía de Arousa volverá a ser escenario, un año más, del conocido como Festival de Norte, que alcanzará entre los días 13 y 15 de mayo, su cuarta edición. El evento contará con una serie de actuaciones musicales de las que resaltan como principales atractivos los cubanos Orishas, el ex líder de Héroes del Silencio, Enrique Bunbury y la formación Macaco, que tocarán en el escenario Estrella Galicia.
Los tres son los cabezas de cartel de las distintas actuaciones musicales que se desarrollarán durante esos tres días y cuyo programa todavía queda por ultimar unos pequeños flecos, según informaba la organización que contará en esta edición con un mayor apoyo institucional y privado.

Por el momento, ya se confirmó la presencia el día 15 de mayo, y así lo expone la formación en su página de giras por España, de los cubanos Orishas, que aprovecharán para presentar su último trabajo discográfico, El Kilo.

. Junto a Orishas, también se acercarán a Vilagarcía, Bunbury, Macaco, Amparanoia, Pereza, Sidonie, Josele Santiago y el dúo de raperos andaluces, La Excepción.

Según la organización, "todavía están por decidir otras cinco bandas de las que tocarán en el escenario principal, que es el de Estrella Galicia, y las nueve que lo harán en el escenario Caixanova".

El Festival do Norte Estrella Galicia se celebrará en el exterior del recinto ferial de Fexdega entre los días 13, 14 y 15 de mayo y el precio de las entradas será de 20 euros por un día y de 45 por asistir a los conciertos de los tres días, para los que también se da derecho a acampada, en venta anticipada. En taquilla los precios serán de 25 euros (un día) y de 50 euros (tres días).

El festival está organizado por Producciones Independientes Culturales y cuenta con los patrocinios principales del ayuntamiento de Vilagarcía y de Estrella Galicia, seguido de Caixanova, Cocacola, Deputación Provincial y Xunta de Galicia, mientras que, la Fundación Fexdega colabora con la cesión del recinto dónde se celebrarán los conciertos.

BUNBURY en Zaragoza - Abril 05

BUNBURY en Zaragoza - Abril 05

Tras un breve periodo de descanso en el que Bunbury ha viajado a Vietnam para rodar el videoclip de su nuevo single, el Huracán Ambulante se vuelve a poner en marcha en este mes de abril para continuar con la gira. La actuación de Bunbury ya está confirmada en el Festival Viña Rock en Villarobledo o en el Festival 46664 de la Fundación Nelson Mandela en Madrid. Además, participará en cuatro conciertos patrocinados por Movistar en los que Bunbury actuará en un carpódromo, una enorme carpa móvil con los últimos avances tecnológicos que le acompañará a las ciudades de Barcelona, Granada, Madrid y también, esta vez sí, Zaragoza. Más info.

Tras el éxito obtenido el pasado año con el Freak Show, en el que también se recogía el escenario en una gran carpa, Bunbury repite experiencia aunque de otra manera. Esta vez no viene bajo concepto circense y tampoco están los artistas invitados. Es Bunbury en estado puro lo que se verá en 4 ciudades españolas, entre las que se incluye Zaragoza. En su tierra el carpódromo se instalará en el Parque Torreramona el próximo 6 de mayo.

Además, en el mes de mayo Bunbury editará el dvd sobre el mencionado Freak Show con algunos de los mejores momentos de la gira. Entre sus planes inmediatos, también se encuentra su primera visita a Japón y su participación en el homenaje a Leonard Cohen que prepara el fanzine aragonés Confesiones de Margot. Bunbury aparece bajo el nombre de Los Chulis con la canción En el alambre.

PRÓXIMAS FECHAS DE LA GIRA DE BUNBURY

22 de abril - Hospitalet de Llobregat: La Farga
30 de abril - Villarobledo (Albacete): Festival Viña Rock
29 abril al 1 de mayo (día por confirmar) - Madrid: Festival 46664: Fundación Nelson Mandela
6 de mayo - Zaragoza: Parque Torre Ramona. Concierto Movistar
12 de mayo - Granada: Recinto Ferial de Zaidín. Concierto Movistar
13-15 de mayo (día por confirmar) - Villagarcía de Arousa: Festival do Norte
21 de mayo - Salamanca: Pabellón Multiusos Sánchez Paraíso
1 de junio - Barcelona: Sot del Mig Dia. Concierto Movistar
3 de junio - Madrid: Universidad Complutense (Instalaciones Deportivas Paraninfo Norte). Concierto Movistar

¿Quién es Carlos Ann?

¿Quién es Carlos Ann?

A medio camino entre la genialidad surrealista de Astrud y la solidez consagrada de Fangoria, Carlos Ann ejemplifica a la perfección la brutal ascensión del freakie encantador que es capaz de hacer que un visionario de la electrónica como Howie B produzca "Entre Lujos Y Otras Miserias", el disco de un desconocido al fin y al cabo. Con ese aval añadido se presentó en la mítica sala El Sol evocando la edad de oro de la ciudad madrileña, los 80 por si alguno duda, con un alarde de tecno-pop petardo y sin complejos, unas estrofas desvergonzadas que campan a sus anchas por un terreno musical de brillantes momentos, escúchese "¡Me humillaste" o "Si tú quieres mi princesa", ésta última con la lujosa programación del artífice de "Turn The Dark Off". Y haciendo uso del atrezzo musical modernista y de diseño por excelencia del pop tecnológico aparecía delante de esa batería electrónica que Midge Ure inventó y llevó a su máxima expresión hace ya más de veinte años consagrando el género, pero con las nuevas tendencias con que el rock se ha ido acercando a la electrónica y de la que una guitarra pudo dar buena fé entre tanto sonido espacial. En momentos en los que mantener el tipo delante de este personaje es mejor no renunciar a sonrojarte y escucharlo sin prejuicios porque la sorpresa va a ser aún mayor, ya verás.

Carlos Ann empezó su carrera musical en Barcelona en el año 1992, liderando un grupo que abanderaba la electrónica, Danzando Confuso. Vocalista y compositor, fusionaba el Rock con el Dance, sus directos se convertían en una fusión de estilos en donde el público era parte fundamental del espectáculo. Esas tendencias vanguardistas le llevaron a formar el grupo Analogic Emotion, considerado por los medios como uno de los pocos grupos que apostaba por el Breakbeat en el panorama nacional de aquella época. En el año 99, Carlos Ann se desmarca con un disco personal e introspectivo que viaja desde el Pop melódico hasta la fusión contemporánea, 'Día Especial' (Moviedisco Records).
¿Por qué Howie B, un astro accesible e insobornable, capaz de rechazar a Madonna o Jeff Lyne, decide colaborar con un, hasta ahora, desconocido músico y productor llamado Carlos Ann? Según el mismo Howie B, Carlos Ann ha logrado cristalizar un nuevo concepto musical a medio camino entre el Pop y la música electrónica, cantado en castellano, ya que según el gurú de la electrónica existe un gran vacío a cubrir a nivel mundial en este terreno. Carlos Ann puede satisfacer esa demanda.
Howie B
Incuestionable hombre clave a nivel mundial de la industria musical. Creador y piedra angular que ha sentado las bases del Trip Hop y la música electrónica de los 90. Visionario, gurú y talentoso productor de inmejorables créditos.
Algunas de sus producciones:
Carlos Ann `Entre lujos y otras miserias´ (productor, co-compositor). U2 'Pop' (co-productor). Björk 'Homogenic' (mezclas). Tricky 'Ponderosa' del álbum 'Maxinquaye' (co-productor, co-compositor). Everything But The Girl 'Flipside' del álbum 'Walking Wounded' (co-productor). Les Negresses Vertes 'Trabenda' (productor, co-compositor). Sly & Robbie 'Stripped To The Bone' (productor, co-compositor). Pulp 'Barry Crusoe' (mezcla). Bono & Sinead O'Connor 'I'm Not Your Baby' (mezcla). Howie B 'Folk', 'Snatch', 'Turn The Dark Off', ' Music For Babies' LPs (productor, compositor).
Algunas de sus remezclas y bandas sonoras:
Simply Red 'You Made Me Believe' 12' Remix 'Never Never' 12' Remix Annie Lennox 'Waiting In Vain' 12' Remix New Order 'Age of Consent' 95 remix 12' Remix KD Lang 'Love's Great Ocean' 7' Remix Soul II Soul Club Classics Volume I (co-compositor, ingeniero de sonido) 'Mission Impossible' (Banda sonora) 'Theme' (productor) 'Psicosis' (Banda sonora) 'Once Is Not Enough' (productor, compositor) 'Martian Economics' -Wim Wenders- (Banda sonora) 'End Of Violence' (co-productor).

Carlos Ann
Carlos Ann se desmarca dentro del panorama musical del estado español con una nueva sónica que se está produciendo en algunos sellos independientes del país. La producción de su segundo trabajo a cargo de Howie B avala esta teoría y proyecta al artista Carlos Ann como una de las nuevas promesas.
Discografía
Analogic Emotion 'Moviedisco' 1997, LP
Carlos Ann 'Día Especial', 1999, LP
Les Vampires 'Pensant Dans Une Bouteille' 2000, V.V.A.A
Carlos Ann 'Entre lujos y otras miserias', 2001, LP
Producciones Analogic Emotion 'Moviedisco' 1997
Charly Chicago 'Sexy Poya' 1998 Dax '
De miedos y esperanzas' 1999
Jab Boom 'Is coming' 1999.

¿Qué hace que una criatura, engendrada como todas, devenga en un ser especial? Misterio ¿Qué hace que un grupo, engendrado como miles, deviena en una de las bandas más impresionantes de todos los tiempos? Quizás obtengamos la misma respuesta.

¿Qué hace que una criatura, engendrada como todas, devenga en un ser especial? Misterio ¿Qué hace que un grupo, engendrado como miles, deviena en una de las bandas más impresionantes de todos los tiempos? Quizás obtengamos la misma respuesta.

Bautizada Bauhaus 1919, nombre derivado de aquella escuela de arte y diseño fundada en Alemania en ese año, la banda mostró, desnudando lo básico, el por qué de su nombre.

Sin más detalles: el terror se subía al escenario. Para 1979 y ya con el nombre de Bauhaus: Peter Murphy (11/7/57), Daniel Ash (31/7/57) y los hermanos David J (24/4/57) y Kevin Haskins (19/7/60) empezaban a conmover a su auditorio con algo extraño, una náusea sombría poseída por la máscara sarcástica de una fiebre acunada entre las sombras. Dejando al descubierto una tierra de lúgubre luminosidad, la tierra del terror interno que como una pesadilla que gira nos acerca al placer de lo angustiante y nos permite la admiración de un paisaje apocalíptico con resignada valentía.

Como huérfanos de padre Punk y madre bruja o padre actor de la década del ‘20 y madre psicótica, Bauhaus transmitía con su música y su escena una sensación parecida a la que nos impulsa a sacar un boleto para el tren fantasma. Vampiros revoloteando en espiral perdiéndose entre los húmedos bloques de piedra de una de las torres de una catedral gótica. Kevin Haskins golpeando la batería como un alquimista que desde su laboratorio intenta hasta la última consecuencia la justeza de su fórmula; David J igual que un gentleman cuya mística labor ha de ser que el bajo suene como la columna vertebral de un dragón; Daniel Ash corroyendo las cuerdas de una eléctrica guitarra parecida al pincel de algún impresionista amigo de los paisajes terroríficos y sombríos; Peter Murphy dictando grave sentencia con una mezcla entre la depresión orgullosa de un enterrador con la luminosa fuerza de un rayo a través de los vitraux de una iglesia medieval.

Ya en su primer demo, grabado en un estudio londinense en el año 1979, dejaban en claro que su propuesta sería tan diferente como sorprendente. Este demo, con un sonido que delata una muy baja producción, contenía: In the Night, A God In An Alcove, Dark Entries, Telegram Sam (cover del tema de Bolan), Nerves (quizás el plato más exquisito del precario material), Honeymoon Croon, Kamikazi Dive y Shows (Fragments).

Dando lugar a una corriente musical denominada Gothic Rock, Bauhaus sin duda se caracterizó por influencias que no estaban limitadas al mundo de la música. Mark Bolan y David Bowie se mezclaban con clásicos del cine de terror en blanco y negro, además de importantes referencias literarias. De hecho la palabra Gothic en relación con el estilo literario que lleva ese nombre, encuentra como definición: lo oscuro, lo tétrico, lo sobrenatural y lo grotesco, calificativos que bien podría recibir el sonido de Bauhaus. Pero a decir verdad la palabra Gótico no alcanza, y en algunos aspectos falla, para definir a la música del grupo, ya que si nos referimos a la arquitectura, lo Gótico, nada tiene que ver con la Bauhaus. Quizás, si Hegel viviera y tuviera ganas de distenderse unos segundos para jugar con nosotros, nos daría una respuesta dialéctica donde la esencia gótica fuera la tesis, la esencia de la Bauhaus su antítesis y el precioso material que esta banda nos legó: la síntesis.

Su historia disquera, íntimamente relacionada con Beggars Banquet, es un sello trascendental para la música. Sobretodo para los que identifican la década del ochenta con esa brisa llamada post punk y que corría como una serpiente venenosa por debajo de los nombres más populares del circuito comercial de la década.
Si bien la historia de Bauhaus fue relativamente breve, 1979-1983, fue tan intenso el peso de su presencia en la actividad que ese lapso alcanzó para hacer de aquel grupo una especie de culto memorable; como una frase que perdura en el tiempo por haberse impreso con fuego contra miles de volátiles tratados musicales que escritos sobre el viento desaparecerán antes de que puedan ser siquiera releídos por el propio autor.

Si dejamos de lado los muchos simples editados y algunos E.P. Bauhaus dejó testigos de su camino mediante cuatro discos memorables: In The Flat Field (Nov. ‘80), Mask (Oct. ‘81), The Sky’s Gone Out (Oct. ‘82) y Burning From The Inside (Julio ‘83).

Sin embargo estos cuatro L.P. no alcanzan para concentrar lo hecho por Bauhaus. Hubo un en vivo como Press The Eject and Give Me The Tape, dos volúmenes de 1979-1983 editados después de la disolución (Nov. ‘85) que entre otras cosas contienen la alucinante versión del tema de Bowie: Ziggy Stardust, y la preciosa: Lagartija Nick (solo audibles en simples), The Singles 1979-1983 (que contiene los singles más significativos), Swing The Heartache: The BBC Sessions (Doble editado en el ‘89) y Rest In Peace, The Final Concert (que documenta el último concierto de Bauhaus en Julio de 1983 en el Hammersmith Palais de Londres). Esta lista, más todos los singles y los videos oficiales titulados Shadow of Light y Archive tampoco cierran del todo la biografía de Bauhaus. Como un fantasma implacable, todos somos conscientes que si bien Bauhaus «Descansa en Paz», no hay forma de que su existencia deje de crecer desde el mundo de las sombras.

Hoy Murphy ya es un solista con una carrera más que envidiable de la misma manera que Love and Rockets (el resto de Bauhaus) es una de las bandas más interesantes de los últimos años. Hoy los caminos que partieron de Bauhaus se muestran alejados de aquel embrión, pero no hay trabajo de estos personajes que no despierte la sensación de tener en la mano el pasaje a algún lugar extraordinario.
Pasó más de una década y nadie superó al maestro. Así como Bela Lugosi sigue cultivando la admiración de los adeptos al bizarro cine de terror, Bauhaus sigue siendo la máxima expresión del oscuro planeta que sendas bandas como Sisters of Mercy, The Mission, Biryhday Party, antológicos discos de la primera etapa de The Cure, y un sin número de nuevos cultores como Marilyn Mason contribuyeron a reflejar. Lo cierto es que la necesidad de novedades, y esa extraña desviación que poseen algunos cultores de ciertas corrientes artísticas musicales, prestan a la confusión de algunas cuestiones. Saber de memoria el nombre más raro y desconocido de una banda dark , bajado de la Internet, no debe presuponer esa rara ecuación utilizada por los enciclopedistas del Gothic Rock que parece radicar en la fórmula de: cuanto más desconocido, mejor.

Habrá que esperar que nuevas criaturas tengan la capacidad de llevarnos con pretextos como Bela Lugosi´s Dead, Lagartija Nick, The Passion Of Lovers, She´s In Parties, Spirit, Hollow Hills, A God In An Alcove, y una cantidad de temas más, a un mundo donde las sombras se presentan con horrorosa amistad ante nuestra percepción sorprendida por el placer que nos causa el angustioso paisaje.

Bauhaus fue mucho más de lo que un inspector insensible pudiera reconocer. Bauhaus es un punto luminoso en la historia musical de las últimas décadas. Un fantasma que hoy descansa en paz, pero que como todo fantasma, su presencia inquietante, seguirá en el ambiente mientras una púa o un láser se contacte con su tumba. En ese instante los sentidos se llenarán de un placer secreto, muy lejano de la indiferencia, gracias al espectro que cubre el aire. Un fantasma que, desde su tenebrosa apariencia, se sincera para confesarnos a través de su voz que "los espíritus aman a su audiencia"



Los rumores de una supuesta reunión de Bauhaus, después de quince años de su disolución, habían empezado a circular hace ya un año. En acercamientos previos, como en los coros que realizó Murphy para Candy on the Cross (tema del álbum solista de David J Urban Urbane) quedaba en claro que la relación entre los ex Bauhaus no estaba tan desgastada como muchos pensaban.

Cristalizando las suposiciones que hablaban de la posibilidad de volver a verlos sobre un escenario, a los cuatro juntos, el 7 de julio saldrá una recopilación titulada Crackle, una especie de auto homenaje a 20 años de la grabación de su primer demo. El 10 y 11 del mismo mes el fantasma se corporizará para tocar en el Palais de Los Angeles. Este hecho realmente histórico mostrará a la mejor banda de Gothic Rock como si el tiempo no hubiese pasado.

Con verdadera modestia los integrantes del grupo sostuvieron que el futuro de la banda dependerá de la convocatoria de estos conciertos. Desde aquí les podemos decir, a modo premonitorio, que el Palais va a quedar demasiado chico. Igualmente sea cual fuese el resultado de esta resurrección, Murphy seguirá con sus planes solistas y Love & Rockets ya tiene nuevo disco para el mes de agosto (del que tuvimos un pequeño adelanto cuando se presentaron aquí junto a Nick Cave y otros en el Festival Rock and Pop) : Lift, cuyo primer corte tendrá un nombre más que significativo, «Resurrection Hex».

Tanto mistificar la tumba, el fantasma resucitó. Los interesados pueden unirse a nuestras plegarias para que Bauhaus se vea obligado a bajar a nuestras tierras antes de volver a descansar en paz.

Resultados

Bueno, después de investigar en todos los buscadores de comuninodo las distintas blogs que al igual que la mia su temática es el rock zaragozano, o estan vinculadas con este, el resultado es el siguiente:
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El mensaje oculto de Senda ´91

El mensaje oculto de Senda ´91

El segundo cd en vivo de Héroes del Silencio es este, Senda ´91. Del concierto celebrado en Las Rozas (Madrid),el 26 de Septiembre de 1991. La canción Decadencia incluye, el tema "El Cuervo" y al final del disco se puede escuchar de la voz de Enrique Bunbury un mensaje oculto.
Pues bien,aparte de ser un buen directo de Héroes, donde podemos oir a Bunbury "mosqueadísimo" con un, como dice él "vamos a volver a tocarla, joder... esto es un desastre!!" y también en pleno éxtasis musical, improvisando, o mejor dicho, añadiendo una nueva letra en la canción Decadencia. De cualquier manera, lo que hace de este disco una "reliquia" es el mensaje oculto que al final del disco Bunbury proclama como si fuera una profecía, ¿sabes cúal es?.... "Entre cada palabra y sílaba pronunciada como surco aspero al recorrer, encontraras mensajes sin descifrar que escondan mentiras aprendidas".

De la primera gira de Héroes Del Silencio sólo se editaron 5000 copias, de esta el número de copias fue ligeramente superior. Es decir, sólo para coleccionistas.

Las monjas adoran a su Dios que no existe
Mientras el Papa aprieta el gatillo
Y dice Dios no existe
Es una imaginación de la Iglesia
Que está muriendo poco a poco
Los ateos lloran al pie de una estatua.
Y el mundo dice Dios no existe
Es una imaginación del Papa
Mientras los ateos
Lloran y lloran por su belleza perdida
Y Dios ya no existe
Está llorando en el Infierno.

Esta es la estatua entera de la nada.

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

ELEFANTES, su historia

ELEFANTES, su historia

Barcelona empezaba a sufrir el verano en 1994. Aunque tendría que pasar un año en consolidarse, Elefantes plantó su semilla por aquél entonces.

Jordi estaba tocando la batería con un grupo que se disolvió a los pocos días. Fué tal dicha disolución, que hasta abandonaron el local de ensayo con su equipo de sonido dentro. Solo había que encontrar guitarrista, bajista y un nombre.

La primera oferta fue para Hugo, antiguo compañero de grupo de Jordi. Después de un par de ensayos no aceptó. Las canciones de esa época, composiciones de Shuarma heredadas de su antiguo grupo, eran puro y crudo rock & roll, y Hugo, que tenía su propia banda como cantante, prefirió seguir su camino.

Al cabo de pocas semanas Hugo y Jordi viajaron a Inglaterra para asistir al Reading Festival, y esa experiencia fue como una revelación. Un punto de cambio natural. Tiempos de descubrimiento y de atrevimiento en un terreno muchísimo más cómodo para unos chavales que habían quemado sus primeros cartuchos con el rock & roll o el heavy metal. Sin tampoco dejar de lado influencias pasadas, las sonoridades pop de la época adivinaban el horizonte hacia el cual había que dirigirse.

Shuarma y Jordi intentaban en vano completar la formación. Ensayaban solos y grababan maquetas caseras. En esos días a Shuarma se le ocurrió el nombre del grupo: Elefantes. El nombre se debió a que Shuarman pinsó en la necesidad vital de hacer canciones. En otras culturas se asocia al elefante con todo lo relacionado con el alma así que Elefantes era eso. Un grupo con alma.

Luego vino Gelo. Un bajista con el cual pudieron empezar a trabajar como trío. Pese a que la conexión estilística era nula, Gelo era muy buen bajista, y hasta se llegó a hacer una sesión de fotos y un pequeño concierto en Julio del 95. Era una manera de echar para adelante. Pero Gelo se quiso ir, lo cual no supuso ningún trauma. Casi a la vez que Hugo pidió por fin entrar en la banda. Antes de que Gelo se fuera, se prestó a grabar lo que sería la primera maqueta de estudio de Elefantes. Era Septiembre y grabaron en un día 6 canciones: "No hay", "Para nada", "Las flores del mal", "Intro", "Duérmete" y "La muerte".

Ya un grupo con maqueta, y la necesidad de un bajista, muy urgente. Hugo conoció a Julio en un concierto, y directamente le propuso ir a ensayar. Sus referencias como bajista no eran muy halagüeñas, así que bajo la condición de que se le podría cambiar por otro bajista con más experiencia, empezaron a trabajar. La personalidad de Julio suplió en un principio las primeras dificultades y casi sin tener conciencia de ello, por fin Elefantes era un grupo de verdad.

El primer concierto tuvo lugar el 13 de Octubre de 1995, en la sala Aspid de Barcelona. Presentaron todas sus canciones y un montón de versiones. Tanto la maqueta como los conciertos tuvieron muy buena acogida, y eso permitió al grupo seguir tocando allí todas las semanas durante 7 meses.

Eran tantas las ganas de tocar en directo que no importaba el dinero, ni el lugar ni las condiciones técnicas ni físicas. Tanto fue así que en esa época se pudo a ver a Elefantes tocando en los sitios más insospechados como bares de copas, fiestas privadas, cárceles o puticlubs. Conciertos acústicos o no. Media hora o dos pases de hora y media. Versiones de todo tipo, improvisaciones suicidas, tocar, tocar, tocar.

Después de una segunda maqueta con temas como "Pretendes", "¿Dónde estoy?", "El Payaso", "Ves luz" o "Tu vida", el grupo buscaba actuar en sitios más acordes con el estilo de música que iba definiendo, encontrándose que hacía falta algo más que un par de maquetas para poder acceder a circuitos de salas más interesantes, y ante la falta de propuestas de alguna compañía discográfica, con el dinero ahorrado de las actuaciones el grupo decidió financiarse un EP.

Cece Giannotti era el líder de una maravillosa banda barcelonesa llamada Traditional Tourist. A él se le propuso producir el disco. Era Agosto de 1996, y el grupo alquiló los Estudios Montseny para grabar 5 canciones: "No hay", "Debemos seguir", "Pretendes", "Para nada" y "Piano 1". Gracias a la magia de Giannotti el disco pudo mezclarse en Boston consiguiendo un sonido que superaba las expectativas del grupo para las 400.000 pts que tenía de presupuesto. Poco más tarde, la discográfica La Col Records cobro 15.000 pts por ceder su sello para que Elefantes lanzara el EP, sin título genérico, en una edición limitada y numerada de 500 ejemplares, con una cuidada presentación con postal y libreto externo, todo ello dentro de una caja de cartón.

Dicho EP tenía un carácter eminentemente promocional. Se vendieron copias en conciertos, y en las tiendas FNAC de Madrid y Barcelona. El resto se esfumó en emisoras de radio, publicaciones y compañías discográficas. Las críticas definieron Elefantes como un grupo de pop rock muy elegante y oxigenado, con buenas composiciones, textos inteligentes e imagen muy glamourosa.

La producción de Giannotti fue fundamental para un grupo con muy poca experiencia en estudio, pero con muchas ganas de explorar las posibilidades que ofrece una grabación. El paso del tiempo ofrece una visión de este disco como un buen reflejo del carácter del grupo en esa época. "Elefantes" es un primer paso hacia algo más.

Y algo más es lo que ofrece el siguiente disco: "El Hombre Pez". Pero para ello todavía tendrían que esperar 18 largos meses. Tiempo en el que el grupo ya se plantea como una necesidad absolutamente vital el desarrollo de la música como expresión artística global. Tiempo de crisis internas, individuales y colectivas, lucha de egos sin cuartel, dificultades económicas, situaciones límite con grandes presiones, grandes triunfos y decepciones.

Echando la vista atrás se dan cuenta de que el haber superado esa época y seguir adelante consolidó a Elefantes como banda, y tan cerca estuvo de disolverse que lo que pasó en realidad fue totalmente lo contrario; se sentaron las bases de lo que es Elefantes hoy en día: un grupo con fuertes personalidades, equilibradas por la capacidad de diálogo y el respeto artístico. Con los conciertos de entonces pasaba lo mismo. Eran más furiosos y viscerales que nunca. Tan arriesgados en su planteamiento como desiguales en su resultado. Durante esos meses, concretamente en Julio del 97, Elefantes incluyo en un CD recopilatorio de La Col Records la canción "¿Dónde estoy?", y grabó un videoclip de "Pretendes".

Toda esta vorágine dio como resultado un paquete heterogéneo de canciones, en las que luz y oscuridad conviven sin complejos en el mar de ilusión que propone el Señor Pez. El disco se grabó entre Enero y Febrero de 1998 en los estudios PAC, con la ayuda del incomparable Didier Richard en los controles técnicos.

La producción corrió a cargo del propio grupo, en su determinación de llevar hasta el final lo que el grupo buscaba expresar. La falta de experiencia en producción no pone el disco a la altura de sus posibilidades, canciones soberbias como "Más que tú a yo", "Te querré y tu me perdonarás", "El Pez II", "No quieres más" o "Y sin respirar", por citar algunas, conforman un disco dominado por una idea: la metáfora del Hombre Pez. Una mirada interior hacia el interior de los demás.

Elefantes se encontraba libre de contrato discográfico. No había manera de conseguir que alguien estuviera dispuesto a apostar por el grupo con garantías claras de proyección. Poco "indie" para el circuito "indie", demasiado difícil para el circuito comercial, el grupo andaba ahí entre dos aguas, con el master de "El Hombre Pez" quemando en las manos.

Después de algunas negociaciones, AZ Records fichó a los Elefantes. El grupo era consciente que no había dado un gran paso adelante, pero era lo que había y no se podía parar. Un peldaño más en la carrera, esperando la oportunidad en un futuro no muy lejano de poder dar en el clavo de una vez por todas.

Por aquél entonces Elefantes rompió relaciones con Alberto García, manager del grupo desde los inicios, quedando a la expectativa de las capacidades del equipo de AZ, y obteniendo una contundente respuesta: 172 discos vendidos en un año. 3 presentaciones en directo. Media docena de artículos en prensa. La trayectoria de AZ revelaba una intención evidente de sepultar "El Hombre Pez" a la espera de nuevas canciones que hicieran pensar en vender el grupo a una multinacional. Eso o ahogar al grupo en su propio contrato.

¿Cómo combatir contra esto? Trabajando más duro todavía. La inquietud provocada por el negocio de la música se vio contrarrestada por uno de los mayores aciertos que nunca tuvo el grupo: la incorporación en Septiembre del 98 del pianista Jaime de Burgos como músico para directos y grabaciones.

Las nuevas canciones pedían a gritos un poco más de aire, una clara ampliación en las sonoridades. Necesitaban pianos, órganos, acordeones, violines, ruidos..... Había tantísimas cosas que podían probar en las canciones, que los primeros ensayos con Jaime recordaban a los inicios del grupo. Les dio el empujón necesario para cohesionarse todavía más como músicos. También les hizo sentirse algo menos rockeros. Ya no sonaba a cuarteto.

A un concierto que Elefantes dio en Zaragoza fue a verlos Enrique Bunbury recomendado por un amigo común, Morti, cantante de los desaparecidos El Fantástico Hombre Bala, ahora con su nueva banda Ex-Mundus. A los pocos días Shuarma envía a Bunbury una maqueta con algunas de las nuevas canciones.

Bunbury acude a la presentación de "El Hombre Pez" en Barcelona en Marzo del 99, y seguidamente propone a Elefantes producir el próximo disco y ayudar a encontrar una discográfica que le interese el proyecto.Lo que ocurrió en este sentido en el siguiente año, y para no aburrir al lector, se podría resumir como que costó "un poco" obtener la libertad del contrato con AZ Records.

En Noviembre de este mismo año, y de la mano del amigo Carlos Ann con su sello Moviedisco, Elefantes aporta el tema "El cielo se va" a un disco recopilación de promoción de la tarjeta Blue Joven del BBV.

Mientras, los nuevos temas iban cayendo uno detrás de otro. Hugo amplió su equipo y el sonido de sus guitarras era cada vez mejor. Tanto Shuarma como Hugo compraron unos equipos de grabación digital, para poder hacer maquetas con muy buen sonido dentro del local de ensayo, y por primera vez el grupo podía pasarse horas grabando, mezclando, experimentando.

Fue un cambio de velocidad. La capacidad de trabajo aumentó enormemente, y el control sobre el resultado de las canciones era mucho mayor. Grabar y mezclar una canción les llevaba unas 16 horas. Era lento y muy laborioso, pero cuando la terminaban les parecía la mejor canción del mundo. Hasta Abril del 2000 grabaron 26 canciones, 13 de las cuales definirán "Azul".

En "Azul" la madurez en las composiciones de Shuarma es ya muy notable. Elefantes es más que nunca un grupo que toca canciones. Como siempre ambiguo y heterogéneo en la forma, pero con ese hilo argumental que son los sentimientos implicados en cada una de las canciones. Distintos puntos de vista sobre algo muy primario.

Un disco pop. Un disco de luz. Positivo en la sonoridad, dejando el contrapunto oscuro para los textos. Seguramente si hubieran llevado las canciones a un terreno más áspero, se descubrirían muchas cosas más de los textos, cosas que no les apetecía explorar. Los directos quizás son más viscerales, pero para "Azul" buscaban otra cosa. Querían hacer un disco muy grande.

Habiendo fichado felizmente por Hispavox, la grabación de "Azul" se realizó de Mayo a Agosto del 2000, grabado por Gonzalo Castro en los estudios Sintonía de Madrid y mezclado en Music Lan, Figueres (Girona), por Joan Trayter.

ENTREVISTA A LEOPOLDO MARÍA PANERO

(Realizada por David Benedicto y publicada en El Semanal)

-¿Qué tal está aquí dentro?
(Silencio prolongado)

-¿Se encuentra mal?
¿Tú qué tienes, sida o que cojones?

-¿Por qué me pregunta eso?
No sé, como llevas la cabeza rapada.

-Me gusta llevar el pelo corto, ¿le molesta?
(Silencio)

-Le preguntaba si está mal encerrado en este psiquiátrico.
Mal, muy mal. Llevo cuatro años en este puto infierno.

-¿Cómo es una noche dentro de este lugar?
Yo lo que quería era ir a juicio para cambiar de centro. No quiero estar aquí.

-¿Ha cambiado mucho de psiquiátrico en los últimos años?
Si, estuve muchos años en Madrid: en el Hospital Clínico y en el Alonso Vega y en el de Ciempozuelos y en el de Colmenar, Barcelona, Zaragoza, Reus y Pamplona. He estado en muchos. También en el de Mondragón, en Guipúzcoa.

-¿Por qué ha terminado en estos, en el de Las Palmas de Gran Canaria?
Porque me puteaba. Bueno en Mondragón y en Madrid no me puteaba el staff pero sí que lo hacían los locos. Joder, estaban todo el día dándome la paliza.

-¿Y aquí quien le putea es el staff ?
Eso es, el staff, aquí los locos no. Bueno, ellos también, depende.

-¿Cómo es una noche aquí dentro, en este hospital?
El maldito infierno.

-Asegura encontrarse siempre rodeado de gremlim.
Sí, y con ellos supero toda esta mierda.

-¿Están aquí ahora?
Sí, claro.

-¿Tiene algún otro amigo en este lugar?
Ninguno. Bueno, tenía a un tal Andoni y a un tal Medeiros. Pero ahora no tengo un puto amigo.

-¿Por qué?
No sé por qué. Como no sea la gata (tose).

-¿Y cómo se lleva con su compañero de habitación?
Bien, con él me llevo bien. Será porque procuro no estar mucho allí. Paso todo el día fuera de este manicomio. No me quedo dentro. Me ahogo.

-Tampoco le han dado el Nobel este año.
No, vaya una mierda.

-¿A qué esperan para hacerlo?
“Nada mejor que no ser oído. Nada mejor que en esa habitación no ser visto” (se cita a sí mismo).

-¿Qué les diría a los suecos?
No lo sé. Yo tendría que haber ganado el Nobel.

-¿Aún tiene esperanzas?
(Abre una lata de Pepsi light y la engulle de un solo trago. Silencio prolongado)

-¿Sigue teniendo esperanzas de ganar el Nobel?
Sí (ríe).

-Para bien o para mal, usted es nuestro “escritor maldito” oficial, aunque abomine el término.

No me gusta nada. Como he dicho ya a la prensa: que no usen mi torpe biografía para juzgarme. Es lo que hay. Wilde compuso en su día una obra de arte. Pero yo no. Ninguna. (Abre otra lata).

-¿Y que le parece ser considerado también el loco oficial de la literatura española?
No sé. Como decía Blake: “Si el loco persevera en su locura, termina siendo sabio”.

-¿Por qué cita siempre?
Para ser creido. Para ser escuchado. (Bebe un largo trago).

-Es usted uno de los mejores poetas posteriores a la generación de los 50, ¿Qué hace falta para que lo tomen en serio?
No, te olvidas de Juan Ramón Jiménez.

-Ya, pero es anterior a los 50.
Ah, (toses prolongadas y arcadas. Luego escupe en el suelo, se incorpora y se marcha al water. Tarda cinco minutos en regresar).

-¿Qué es lo que hace falta para que le tomen en serio?
Pues que me dejen salir de este manicomio del infierno. Confiar en que algún día, los que controlan estas prisiones no tengan miedo. Que los enfermos puedan abandonar sus asquerosas conchas.

-En confianza, ¿le molesta mucho no ser tomado en serio?
Sí, ¿a quién no? Claro que me jode.

-¿Qué es estar loco?
No estar ahí.

-¿Cuál es su locura?
¿Pero por qué me analizas tanto cuando no lo hago ni yo?

-¿Se está medicando ahora?
Sí.

-¿Qué toma?
Reinoles. Me dan pastillas para dormir. Dicen que es lo único que necesito. Mis doctores son una pandilla de locos obsesionados con matarme. Creen en la manía de una revolución mundial. Nunca he visto a alguien más colgado que el que dirige este cotarro. Escríbelo. Que se sepa fuera.

-Según mucha gente lo único que tiene para ser poeta es mucho cuento, ¿Qué les diría?
Que no, que no. Nada de eso. El loco yerra, pero no miente. Tengo la manía de decir la verdad. Me da igual. Aquí estoy. Y digo la verdad. (Silencio). Hace poco que se escapó una tía en bragas.

-¿De dónde?
De este psiquiátrico. Y la capturaron (ríe, tose).

-Pasa todo el día fuera de este centro y viene sólo a dormir, ¿Qué hace?
Voy a la playa, a los cafés.

-¿Dónde escribe?
Aquí dentro.

-¿Cuándo lo hace?
A veces escribo de noche. Cuando me dejan entrar en el despacho.

-¿Qué está escribiendo ahora?
Prólogos. Me he hinchado a vender libros por culpa de un camarero viajante. Ah, y otra cosa que quería decir. A ver si la publicas en El Semanal. Estoy loco por hacer un spot publicitario. O de Coca-Cola o de tabaco. En el de tabaco saldría con asma o no podría respirar. Me fumo nueve paquetes al día.

-¿Y en el de Coca-cola?
En ese diría: “Coca-Cola, la bebida que toman los locos”.

-¿Ese sería el texto del spot? Sería muy bueno.
Estoy deseando hacerlo.

-Podría marcharse de aquí si quisiera, ¿Por qué no lo hace?
Ahí fuera, dices. No, no puedo. Me fui al País Vasco a pasar unos días, a emborracharme y acostarme con una tía a la que había conocido y me siguieron hasta allí. Me trajeron de vuelta. Estoy aquí en contra de mi voluntad.

-De todas formas, ha pasado por casi todos los manicomios de España.
Pues sí, por todos.

-¿Se acaba marchando usted o le hechan de ellos?
Me echan. No les convenzo nada.
(Risas)

-¿Es que acaso tiene que convencerlos?
Me echaron hasta de un piso franco.

-¿De dónde?
De un piso franco. Era un piso de la ETA. Hace ya muchos años de aquello. Me echaron por estar todo el día borracho y recitando profecías de Nostradamus. Luego me intenté acostar con la mujer del “capo”. Joder, qué fuerte (ríe. Abre otra lata de Pepsi y la engulle de un trago).

-Hábleme de su madre.
(Silencio prolongado).

-¿Se le sigue apareciendo en sueños para volverle aún más loco?
(Abre otra lata. Bebe. Eructa. Silencio)

-¿No me quiere hablar de su madre?
Sí, era una bruja.

-¿Y se le sigue apareciendo en sueños?
No, debe estar en el infierno. Rodeada de vecinos.

-¿Por qué dice que era una bruja?
Por que me utilizó para dar un golpe de estado en este país.

-¿Qué le da miedo?
La muerte.

-¿Cree en Dios?
Sí, claro que sí. Aunque lo que sea debe andar con cartuchera.

-¿Y en el anticristo?
Claro que habrá.

-¿En qué más cree Leopoldo María Panero?
En el rey y en Nueva York.

-¿Aun le persigue la CIA?
No, la CIA ya no existe. Cerró hace relativamente poco. Todos sus agentes han cambiado de profesión. Los pobres.

-Hay más iniciales que han marcado su vida, ¿recuerda su primer viaje de LSD?
Yo estuve un mes tomando ácido todos los días. Hace muchísimo. Fue la primera vez que mi madre me metió en un manicomio. Algo horroroso. Por esa experiencia, y gracias a su progenitora, el joven Leopoldo María Panero se convirtió a la psiquiatría. Cuéntalo así.

-¿Cómo fue su último chute de heroína?
El Anticristo de Nietszche era para mi algo pensado. Lo vivía de modo compulsivo.

-¿Cuál fue la última vez que se emborracho?
Hace mucho tiempo. Cantidad de años. Llevo mucho sin emborracharme, sin trasnochar ni joder.

-¿Recuerda la última ve que celebró su cumpleaños?
Sí, son en junio. Aunque ese día no hago nada especial. Salgo a pasear y ya está.

-¿Y que besó a una mujer?
(Tose). Hace cinco minutos.

-¿A quién ha besado?
A una loca que está muy buena.

-¿Mantiene relaciones con alguna interna?
Si, sexuales (ríe).

-¿Qué está leyendo ahora?
El Talmud, la biblia hebrea.

-¿Lee a sus contemporáneos?
Con mucho esfuerzo.

-¿Sigue la actualidad de este país?
No me interesa la política.

-¿Cómo ve España?
Pues muy mal. No creo que el Ejército español deba estar donde está. No ha cambiado nada desde el golpe de estado del 23-F. El golpe funcionó, por lo visto.

-¿Qué opina de Aznar?
“Asnar”. Yo le llamo “Asnar” (ríe). Este tío tiene cara de chiste.

-¿Sabe que es un gran lector de poesía?
Ah, si. No lo sabía.

-Lee a Cernuda.
Me hace gracia.
(Arcadas. Se marcha al váter. Regresa diez minutos después).

-¿Continuamos?
No me atrevo ni a ir al servicio.

-¿Por qué?
Porque no sé donde tengo que apuntar (Tose. Silencio. Abre otra lata).

-¿Seguimos?
Vale, seguimos.

-¿Fue un niño feliz?
No, tuve una infancia desolada.

-¿Por qué?
Porque mi padre me pagaba palizas. Se pensaba que iba a salir marica. Y yo, de pequeño, me arrodillaba y me cagaba en los calzoncillos por ódio a él. (Entran dos señoras de la limpieza que nos ignoran. Hablan en voz alta. Friegan la sala de visitas. Nos han confundido con locos. Locos que se entrevistan. Quizá no sean señoras de la limpieza. Quizá sean de la CIA. O locas vestidas de mujeres de la limpieza).

-¿Cuántas veces ha intentado suicidarse?
Mil.

-¿Cómo fue la primera?
Lo conté en la película de (Jaime) Chavarri. Tenía todas las pastillas en cima de la cama y entró la dueña de la pensión y me dijo “¿Pero es que va usted ha hacer lo mismo que Marilyn Monroe, desgraciado?”. Cogí las pastillas y me fui de allí.

-¿Qué recuerda de su militancia antifranquista?
En la universidad me llamaban Bob Brummel porque iba siempre bien vestido.

-¿Sigue siendo comunista?
No, me he hecho anarquista. En España no tenemos proletariado.

-El Desencanto (1976) y Después de tantos años (1994), las películas que hablan de su familia y usted. ¿Con cuál se queda?
Con Después de tantos años. Es más bonita. Más moderna.

-También tiene más protagonismo usted, ¿no es así?
Sí, me gustó sobre todo pasearme por encima de las tumbas. “No soporto la voz humana (empieza a recitar versos suyos, refiriéndose quizá a las empleadas de la limpieza, que siguen hablando en voz alta), mujer, tapa los gritos del mercado y que no vuelva a nosotros la memoria del hijo que nació de tu vientre”.

-¿Cuánto dinero ganó con las películas?
Con la primera, nada. Bueno, que yo sepa. Pero con Después de tantos años, tres millones quinientas mil pesetas, que me robaron en el Banco Popular de las Palmas.

-¿Y que tenía pensado hacer con ese dinero?
Gastármelo en vino.

-Carroll, Poe, Lovecraft, Mallarmé, ¿con cual de ellos se queda?
Con Lovecraft.

-¿Por qué?
Porque es el más espantoso.

-¿De quien o que tiene miedo?
De una frase neoborgiana que acaba diciendo algo así como “Dicen que en el gueto judío de Praga tienen miedo de un hombre”.

-Confiese, ¿realmente está loco?
Ni yo ni nadie estamos locos. Como decía en el siglo XIX Charles Baudelaire: “Todos estamos más o menos locos!”.

LA FAMILIA MAL, GRACIAS.

PAPÁ (Leopoldo María Panero)
“Sería un personaje detestable pero por lo menos era honrado. Si se hubiera enterada de que yo era homosexual o que militaba en el Partido Comunista me hubiera echado de casa al momento. Fue arrestado acusado de recolectar caudales para el ilegal Socorro Rojo acabó siendo uno de los poetas de Franco. Lo condenaron a muerte y se convirtió. Era un borracho que vio la luz (ríe)”.
[Leopoldo Panero (1909-1962), poeta vinculado al franquismo, consiguió el Premio Nacional de Literatura en 1945].

MAMÁ (Felicidad Blanc)
“ Mi padre es un cerdo, pero de ahí a consentir que me mataran es otro cantar. Eso fue cosa de la prostituta de mi madre. Ella pagó para que me diesen “pasaporte” cuando era joven. Fue la responsable de que me ingresasen por primera vez en un sanatorio. La muy puta me volvió loco y, durante muchos años, volvió de las sombras después de muerta para recordármelo”.
[Felicidad Blanc (1913-1990) se casó con Leopoldo Panero un poco antes de que terminara la guerra civil. Protagonizó junto con sus tres hijos el film El Desencanto (1976)].

EL MAYOR (Juan Luis Panero)
“Es mala persona, un verdadero hijo de puta, pero está bien como poeta. Es un gran poeta. Hay que reconocerlo. No tengo ninguna relación con él. Lo prefiero así. Es mejor estar lejos de mi hermano.”
(Juan Luis Panero (1942), inició su carrera poética en 1968 con A través del tiempo. Ha obtenido los premios Loewe y Ciudad de Barcelona. Vive en Girona desde 1985.)

EL PEQUEÑO (Michi Panero)
“Michi es el hermano que más me fastidia. Me estuvo mareando durante unos días con iba a llevarme a su casa a pasar unos días y luego no fue a recogerme al manicomio por temor a que le pidiera el dinero de la película (Después de tantos años). Me gustaría matarle. Es un cabrón y mi madre una puta. Y mi padre un borracho. Lo dije yo en un poema”.
(José Moisés Panero (1952), escritor, redactó el argumento de El Desencanto. Estuvo casado con la actriz Paula Molina.)
Murió a mediados de 2004.

Bushido

Bushido

Un soplo de un nuevo aire abre las puertas del carrusel para hacer girar a 15 sorprendentes historias guiadas por la disciplina de cuatro artistas:

Subido en el grito de la conciencia y de la filosofía social: Morti, cantante del desaparecido Fantástico Hombre Bala, desgarra la actualidad con la voz romántica de su sinceridad.

Con paso desequilibrado en el borde: Carlos Ann, trasmitiendo una extraña nostalgia de Tom Waites y descansando en cínicos clamores, es el encargado de trasladarnos a viejas épocas

Apoyado a su larga experiencia Enrique Bunbury seduce ,con un tacto mucho más perfeccionado y un merecedor estilo consagrado, el juicio público y la emoción de las palabras

Sentado en la peculiaridad y en el arte catalán-andaluz, Shuarma, cantante del conocido grupo “ Elefantes “, palmea con un estilo propio el eco de la modernidad y la serenidad.

Coros tranquilos y desquiciantes perfectamente acoplados a letras mágicamente impregnadas en diferentes estilos, se esconden en la moneda que paga el código del honor musical. Palabras punteadas por metáforas, estudiadas y creadas por críticos redobles, dirigidas por la independencia del cuarteto y acompasadas por trombones y arrastres eléctricos vibrados por el gramófono...

Arrimándose entorno al blues, al vals, al sonido electrónico, al tango, a la rumba, a un poético recital, al indie pop de los 80.. visten cada uno con sus mejores ropas la innovadora y temporal atracción instalada en el circo de la incomprensión, la incertidumbre, el desamor, el amor, la ira, el anhelo, la amargura, la represión, la protesta, el optimismo, la soledad..

El código ético de Bushido es:

» La felicidad
» Infectado de tu amor
» Desmejorado
» España
» Rusa-Romana
» As de copas
» Golpe en la sien
» Sex food
» Pulso firme
» L’amour
» Magenta
» Te esperaré
» Entra conmigo
» Aleteo
» La felicidad II

Bushido, existencia breve......... sonido perdurable.

DISTRITO 14

DISTRITO 14

La Historia (no resumida)




1982 Es el año de formación del grupo. Lo componen Mariano Chueca (voz y guitarra), Alberto Moliner (bajo), Tito Gracia (voz y guitarra) y Javier Paricio (batería). Se presentan al Primer Concurso de Rock Ciudad de Zaragoza, y aunque no lo ganan se hacen con el favor del público y de los medios que acuden a esa primera cita con el rock zaragozano.

1983 Javier Paricio deja su puesto en la batería a Iñaki Fernández. Numerosas actuaciones en todo Aragón. Reciben la propuesta de un promotor de la ciudad para grabar un primer disco en Alemania.

1984 Graban su primer disco en los Record Way Tom Studio de Frankfurt con Günter Huppert “Hubby” como productor. Hacen allí varias actuaciones y además graban un video clip y un corto con el director de cine Javad Barazany.

1985 Diferencias artísticas hacen que no se edite el disco. Alberto se va del grupo. Mariano, Tito e Iñaki dan vida a otra nueva formación llamada Pécora Jarris con otros músicos colaboradores.

1986 Composición y ensayo de nuevas canciones y actuaciones con la nueva formación.

1987 Grabación de dos canciones en el disco recopilatorio zaragozano “Monegros”. El productor es Alberto Gambino. Posteriormente a esta grabación Mariano, Tito e Iñaki deciden disolver el proyecto Pécora Jarris y continuar sólo los tres como Distrito 14.

1988 Composición y ensayo de nuevas canciones y actuaciones.

1989 Editan “Volver a caer” con el sello Interferencias, con producción artística de Angel Altolaguirre.

1990 Alberto regresa al grupo que recupera de este modo la formación original. Trabajan en nuevas canciones con el guitarrista Ollie Halsall (Soft Machine, Kevin Ayers, Radio Futura...).

1991 Graban una maqueta con Ollie en la que se encuentra la canción “Días de Gloria” que llama la atención de las compañías discográficas.
Entra a formar parte del grupo Enrique Mavilla que se encargará del piano, órgano y guitarra acústica.

1992 Firman con EMI y graban el nuevo disco “El cielo lo sabe”. Comparten escenario con Peter Hammill el 12 de Octubre en Zaragoza..



1993 Sale a la venta un minielepé “edición especial” llamado “Días de Gloria” y el álbum “El Cielo lo Sabe” que les da a conocer en toda España.



1994 Francisco Jaraba sustituye en la guitarra a Tito. Trabajan en nuevas canciones retirados en una casa de campo cercana a Zaragoza, que denominan “El Milagro”. Esta casa es propiedad de un norteamericano, gran amante de la música, que se convertirá en el productor ejecutivo del nuevo disco “La Calledel Sol” . Su nombre John Evans.

1995 Grabación, en Sonoland (Madrid), dirigida por el grupo y editada con su propio sello “Grabaciones el Milagro”. El nuevo disco “La Calle del Sol” cosecha muy buenas críticas en España aunque la difusión es pequeña. Pero es escuchado de forma casual por instituciones culturales de Santiago de Cuba que muestran a partir de entonces gran interés en Distrito 14.

1996 El Ateneo Cultural de Santiago de Cuba les organiza una gira en las provincias orientales donde obtienen gran reconocimiento. Son el único grupo de pop o rock no cubano, hasta hoy, que ha tocado en gira en el oriente de la isla.

Reciben el “Diploma del Pueblo Santiaguero” al mérito artístico y humano.
Al regreso graban su primer disco en directo, en Zaragoza. Se llamará “Nochescon sol”.

1997 Sale a la venta “Noches con Sol” y llega hasta una productora norteamericana que les organiza una intensa gira en California y Nevada en el mes de Junio. Obtienen gran repercusión en los medios latinos de EEUU dedicados al pop y al rock. Al regreso son los encargados de abrir dosconciertos de David Bowie, en Zaragoza y San Sebastián

1998 Nueva gira en el oriente cubano con Juan Millán como nuevo batería. Allí graban el disco en directo “A Mitad del Camino”, en Santiago de Cuba. Con la incorporación de sección de cuerda y coros de Santiago, es producido por Carlos Martos y mezclado posteriormente en Sonoland (Madrid). Es el único disco “en vivo”, hasta la fecha, grabado en Cuba por un grupo no cubano.También actúan en el templo sagrado del espectáculo en Santiago, elTeatro Heredia.

1999 Sale a la venta el disco-libro “A mitad del camino”. Contiene un diario de la grabación, “Diario de un sueño”, escrito por Mariano Chueca (voz, guitarra y compositor del grupo). Gira de tres meses en EEUU donde es editado el disco “Noches con sol”. Gran repercusión en los medios latinos y en anglos, como el periódico Newsday de New York. Comparten el legendario escenario del Aragon Ballroom en Chicago en dos ocasiones: con Jaguares y con Fabulosos Cadillacs y Rabanes. Entre las dos actuaciones son vistos y escuchados por 12000 personas. Al final de la gira graban un nuevo disco en directo en la sala Martyr´s de Chicago con Jack Letourneau como productor (Yardbirds, Animals, Andy Summers).

2000 El nuevo disco se llama “Live in Chicago” y es editado en España. Durante todo el año actúan en los EEUU. Son invitados a dar un concierto en el Festival de música independiente más importante, el SXSW, en Austin (Texas). Hacen un alto en el camino americano para abrir los conciertos de la gira española de Sting en Murcia y Granada. Participan en la primera edición del festival alterlatino más importante, el LAMC, en New York, donde tienen fijada su residencia. A finales de año el disco “Live in Chicago” llega a las tiendas de los EEUU editado por el sello de Miami DLN. En Noviembre graban en los estudios Paragon de Chicago dos canciones como preproducción de un nuevo disco. Con Jack Letourneau como productor y colaboración de Tomas Ford (Candle Box, Get Christie Love). Es el primer destello de su disco actual “El sueño de la tortuga”.



2001 Continúan con las actuaciones en los EEUU. Alberto deja el grupo y Enrique se hace cargo del bajo. De nuevo actúan en el LAMC de New York. Críticas en prensa especializada anglo, como CMJ, los alaban. Continúan los artículos y entrevistas en las revistas musicales latinas más importantes en los EEUU dedicadas al rock y pop como La Banda Elástica de Los Angeles, RPDT en Chicago, Boom en Miami o +Vértigo y Clandestino en NYC. Graban siete canciones por sorpresa, en directo, para la emisora de radio por satélite más escuchada en los EEUU, Sirius Satellite Radio. En Junio deciden regresar a España para grabar lentamente el nuevo disco “El sueño de la tortuga”.



2002 El grupo se reduce a trío: Mariano (voz y guitarras), Enrique (bajo y teclados) y Juan (batería). Permanecen los tres meses de invierno aislados en el Monasterio de Veruela (Zaragoza) dando forma a las nuevas canciones. En primavera comienzan a grabar en Sonoland con Carlos Martos como productor. Mané Larregla se une al grupo como guitarrista “oficial”. Antonio Vega colabora grabando los coros de la canción “Valium & Champagne”.

2003 Las nuevas canciones, aún en proceso de grabación, llegan a oídos del manager Iñigo Argomániz (Get In) que entusiasmado decide buscar una compañía que las edite una vez esté terminado el trabajo. Mariano Chueca actúa en solitario en dos conciertos acústicos de Navidad en New York invitado por la revista +Vértigo.



2004 DRO EAST WEST reafirma la opinión de Iñigo y firma con Distrito 14 un contrato para sacar el nuevo disco a la venta. El grupo decide que el número cambie por letra en el nombre, que a partir de ese momento es distritocatorce, todo seguido. El nuevo disco “El Sueño de la Tortuga” sale a la venta en España el 17 de Mayo. Sin haber sido editado todavía en EEUU, el primer single “Valium & Champagne” es durante tres meses número uno en las listas de la emisora Radio Arte (Chicago). El 12 de Agosto actúan de nuevo junto a Peter Hammill. Es en el festival “Luna Lunera” (Sos del Rey Católico). Gustavo Siibert en los teclados y Jaime Lapeña al violín y viola son los encargados de acompañar de forma “oficial” al grupo en sus actuaciones.. El 1 de Octubre recogen los premios al mejor álbum por “El sueño de la tortuga” y a la mejor canción por “Valium & Champagne” en Los Premios de la Música Aragonesa. Estos premios son otorgados por votación del público. El 3 de Octubre abarrotan de público la iglesia del Monasterio de Veruela en concierto acústico, que es filmado y grabado para posteriores ediciones especiales.

NIÑOS DEL BRASIL

NIÑOS DEL BRASIL

Formación:
En 1.987:
Santi Rex, voz;
Nacho Serrano, teclados y programaciones;
Antonio Estación, bajo;
Enrique Bunbury, guitarra y coros.
1.988, entra Pedro Andréu, batería.
1.988, abandonan Pedro y Enrique.
1.989, entre Nacho Saldaña, guitarra, y Manchu, batería.
1.990, se va Manchu.
Del 90 al 92, Quique Mavilla sustituye a Nacho Saldaña.
En 1.994:
Santi y Nacho Serrano, con Salva Horubia, guitarra,
y Jacobo Dobbie, batería.
1.996, se va Jacobo y entra Juan Carlos ("Adios Jumbo").
Zaragoza. Actividad principal desde 1.987 hasta 1.998, aproximadamente.
Techno, primero siniestro y épico y luego más dance.
Grabaciones:
Un montón de maquetas, singles, maxis, remezclas y varios álbumes: 1.989, "Del amor y del odio".
1.991, "Mensajes al viento" (Epic/Sony).
1.993, "Mundos de eclipse" (Epic/Sony).
1.996, "El imperio de los sentidos" (Discos del Amor y del odio).
En la actualidad recopilatorio de sus grabaciones en 2 CD (Lollipop-Colección.
Ventura Discos S.L.) en la colección aparecen grupos nacionales como OLE OLE,
PACO CLAVEL, AVIADOR DRO...
Actuaciones: innumerables, conciertos, partys, TV' s, por toda España. El 5 de enero de 2002 en la Sala Oasis (Zaragoza) actúan nuevamente.
Canciones: "Al oeste", "Amor y espinas", "El tiempo", "Las curvas del placer", "Recuérdame", "Sed de venganza", "Ídolos de barro", "Viernes", "Mentiras", "Pintar tu piel", "Dame tus manos", "Party party", "Como ángeles caídos", "En tu boca", "Balas de hiel",...

ANDRÉS CALAMARO

ANDRÉS CALAMARO

El 22 de agosto de 1961 llegaba a este mundo Andrés Calamaro. Desde niño mostró su inclinación por la música, compuso su primera canción aún en la escuela bajo el título "Chica del paraguas", sin saber que Los Gatos ya habían usado ese título para uno de sus temas.
A los 17 años, dejando de lado su viaje de egresados, junto al grupo Raíces, grabó por primera vez en un estudio participando del álbum B.O.V. Bombe. Eses tal vez fue el primer día de sus días como músico. Temprano decidió comenzar a "trabajar" en el espontáneo y difícil arte de componer música y letra. Poco después armó su propia banda, la Elmer Band, de la mano del guitarrista Gringui Herrera, con quien hasta el dia de hoy sigue compartiendo su música.
Por aquel entonces regresaba al país uno de los iniciadores del "movimiento" llamado rock en nuestro país, Miguel Angel Peralta, quien participó de las reuniones en Plaza Francia junto a Moris y tuvo también la oportunidad de grabar en el mítico sello Mandioca. Miguel Abuelo, así era conocido, rearmó los Abuelos de la Nada y convocó a Calamaro a participar en su banda como tecladista. El tiempo del éxito, multitudes en recitales, radios sonando, "Sin gamulán", "Mil horas" y "Costumbres argentinas", le dio al joven Andrés la posibilidad de conocer el éxito.
Sin embargo la real búsqueda del artista era el primer disco como solista. En 1985 edita "Hotel Calamaro" y luego de diversos problemas con Los Abuelos, se separa del grupo para dedicarse a pleno a su propia carrera. Poco después le llegó el turno a "Vida cruel" su segunda producción que grabó junto a una importante selección de músicos ya que él no contaba con una banda estable para sus presentaciones y grabaciones. Los sonidos de los '80 estaban allí presentes: el pop, la new wave y el dark que estaba de moda por aquellos años. El disco fue bien recibido por la prensa, pero no tuvo éxito en las ventas.
Un año después un golpe de timón en su ruta musical hizo que Andrés desempolvara la música de su primer amor: el rock and roll. Nuevas composiciones con un estilo claramente diferenciado a las producciones anteriores, darían lugar a su nuevo disco que recién fue editado en 1988 bajo el título de "Por mirarte". Sin embargo a pesar de las demoras que hubo en la edición de esta placa, Andrés no perdió el tiempo. Probó, y se probó su capacidad como productor musical. Durante esos años Los Fabulosos Cadillacs, Don Cornelio y la Zona (banda liderada por Palo Pandolfo, quien luego formaría Los Visitantes) y los mendocinos Enanitos Verdes serían sus ratones de laboratorio para esta nueva experiencia.
Pero esto no bastó y formó una banda junto a Gringui Herrera, amigo de viejas andanzas musicales y Ariel Rot, quien recién había regresado de España. La banda tuvo éxito, esto le trajo giras, presentaciones y más giras, pero la situación económica del país no ayudaba.
Llegó 1989 y Andrés con su banda entró a estudios a grabar junto a diversos músicos invitados. Resultado de esta grabación se editó "Nadie sale vivo de aquí". Este álbum fue elegido el Mejor del Año, pero ni ese galardón ayudó a soportar la crisis económica que ahora afectaba también a la industria discográfica que se veía inválida por la falta del vinilo para poder subsistir.
En la primavera de 1990 Andrés decidió partir y la dirección elegida fue: España.Allí se unió a Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes de Tequila, en un nuevo proyecto musical, que con los shows y el éxito mediante se transformó en Los Rodríguez. Después de varios años como solista, Andrés volvía a conformar una banda.
Con Los Rodríguez editaron cuatro placas. Pero la que pegó en Buenos Aires fue la primera titulada "Buena Suerte", dado que contenía el tema "Mi enfermedad" que por aquel entonces cantaba Fabiana Cantilo con gran éxito, y que Diego Maradona hizo escuchar al público presente en el estadio el día que debutó en España como jugador en el Sevilla.La tercer placa de Los Rodríguez "Sin documentos" fue un suceso y trajo consigo giras por España y Latinoamérica. Se confirmaba así el reinado de Los Rodríguez con su búsqueda de nuevas estéticas y la incorporación de sonidos ajenos al rock como el flamenco y la rumba.
Sin embargo, y a pesar de todo esto Andrés siguió casi "secretamente" con su carrera solista. Siempre emprendiendo las investigaciones personales, siempre drenando su capacidad para componer, casi mecánicamente, pero con una gran espontaneidad. Le llegó el turno a "Grabaciones encontradas". Tal como lo dice el título corresponde a grabaciones encontradas en baúles, placards de la casa de los padres y temas en los cuales Andrés es acompañado por personajes como Luca Prodan.
La actividad de Los Rodríguez continuaba, el ritmo era feroz. Llegó la edición de "Palabras más, palabras menos", en 1995, y el que terminó siendo el disco despedida de la agrupación titulado "Hasta luego" casi como un designio. Esta placa fue un éxito de ventas y gracias a ello realizaron una gira española junto a Joaquín Sabina.
En el año 1997, cuando la etapa de Los Rodríguez había concluido, Andrés emprende un nuevo viaje. Esta vez con destino a los Estados Unidos. Allí graba con músicos sesionistas los temas de su nuevo disco solista, el primero desde "Nadie sale vivo de aquí", titulado "Alta suciedad". Esta placa demostró y demuestra la innegable de la experiencia y el enriquecimiento en un músico que vivió como quiso y que se dio los permisos para incorporar nuevos sonidos. El funk, el rock, la balada, lo deforme, participan de esta producción. "Alta suciedad" se convirtió en un verdadero éxito. Superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo y trajo consigo giras masivas.
Pero la maquinaria frenética de componer de Andrés no cesaba. En un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999 más de cuarenta canciones estaban listas. En algún reportaje Andrés decía que eran temas que tenían en su composición algo de baquelita de avión, refiriéndose a las mesitas rebatibles de los aviones donde Andrés entre vuelo y vuelo seguía componiendo.
A fines de marzo de 1999 "Honestidad Brutal" estaba listo. Treinta siete temas, casi la misma cantidad de invitados y un nuevo giro en las emociones de este compositor.Seguramente este es sólo un escalón más en su prolífica carrera, que deparará más grabaciones encontradas, más discos de estudios, más giras, más aviones y mucha más baquelita.
Empezó el 00 con 500 canciones bajo el brazo, grabadas en su estudio domestico en su casa de Baires y parte en un hotel de la calle suipacha. Con 300 canciones grabadas en cassetes, en 4 canales, después de recuperar su casa por quejas vecinales y demás, viajo hacia Madrid, donde con los músicos de siempre y amigos, se grabaron las finales 103 canciones que iban a ser parte de un disco quíntupla, "El salmón", histórico para la industria musical, por ser 5 CDS y seguramente para algunos no solo por su extensión, sino por su contenido.

Pero en 2004 y del mismo modo que la energía no desaparece sino que se transforma, una obra de arte nunca se termina, sino que se abandona. Andrés Calamaro abandonó proyectos y temas propios para rescatar temas ajenos desamparados, que no olvidados; abrazándolos, amoldándolos y acomodándolos a su garganta hasta lograr hacerlos propios para, llegados a este punto, abandonarlos otra vez en un nuevo proyecto de nombre El Cantante. Renegando de Orson Welles y del Capitán Ajab, Calamaro se mira ahora en el espejo de clásicos como Carlos Gardel, Rubén Blades o Roberto Carlos para encontrarse de nuevo a sí mismo, dejando de ser salmón para transformarse en un pájaro; no en pájaro asustadizo, sino en pájaro corsario que no conoce alpiste.

El repertorio elegido para la ocasión oscila entre distintas formas clásicas del cancionero iberoamericano, sobresaliendo tango y bolero. Esta diversidad estilística no lo es tanto al estar homogeneizada por un tamiz flamenco (con toque jazz incluído) aprovechando lo que Calamaro denomina una feliz coincidencia entre ese arte ancestral y el swing natural del Río de la Plata. En este proceso de pasteurización y homogeneización melódica mucho ha tenido que ver otra feliz coincidencia, esta vez entre el músico argentino y figuras como Niño Josele, Piraña, Jerry González o Javier Limón Lágrimas Negras.

Y entre esta colección de reinterpretaciones se lleva la palma “Volver”, el viejo y a la vez actual tango de Carlos Gardel, no sólo por el carácter simbólico que representa escuchar la profundidad de sus nostálgicos versos en la voz de Andrés, sino también porque el cantante los asimila y posee hasta el punto de hacer dudar de la autoría del tema. Sí es autor Calamaro de tres temas, no tan inéditos, que aparecen en su nuevo álbum. Además de la inmensa “Estadio Azteca”, merece la pena destacar “La Libertad” en la que comparte paternidad junto a los abuelos Gringui Herrera, en el aspecto formal, y Norberto Pappo Napolitano, en el aspecto emotivo.

A pesar de su grandeza, El Cantante es tan sólo el primer paso del retorno de un nuevo Andrés Calamaro, recuperado para la música y, en segundo plano, para la industria.

No se podría predecir que será de el de acá en adelante, seguramente, seguirá nadando contra la corriente...

Un poquito de Pedro Andréu

Un poquito de Pedro Andréu

PURAVIDA
Es el nombre del grupo que formó Pedro después de disolverse Heroes, pop blues con tintes Beatles. Su primer y único trabajo "Donde el corazón me lleve" es más que aceptable a la vez que una demostración de sinceridad y honestidad. El concierto de Barcelona está disponible en un pirata, "Azul".

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¿Qué es de Juan Valdivia?

¿Qué es de Juan Valdivia?

Tras la desaparición del grupo, Juan Valdivia, deja por un tiempo la música, y sólamente hace una colaboración en el primer disco de su hermano Gonzalo Valdivia y su banda “El Alquimista” ("El Alquimista", 1996) tocando en un tema que lleva por título "Guitar session yeah¡".

Durante estos años de ausencia y poco después de la desaparición de Héroes del Silencio se han podido leer noticias acerca de una exitosa operación en una de sus manos y de una posterior recuperación, después de un problema que se había desarrollado durante la última gira de 1996.

Durante este tiempo no ha dejado en absoluto la música, si no que ha seguido progresando (más si cabe) como músico en silencio, alcanzando el dominio de diferentes instrumentos entre los que está el piano. En su etapa en Héroes del Silencio Juan Valdivia no había estudiado nada de solfeo, funcionaba de oído. Juan se quedaba con cualquier cosa de los grupos que le gustaban y lo iba transformando hasta que lo conviertía en suyo. Sin embargo recientemente ha superado con notable el primer curso de grado medio de la carrera de solfeo, lo cual le da muchas más posibilidades a la hora de componer.

Ahora ya, por fin, el Maestro regresa tras un largo silencio con un disco que va a marcar un hito en el Rock: TRIGONOMETRALLA.

CIRCUS: ¿los nuevos Héroes del Silencio?

CIRCUS: ¿los nuevos Héroes del Silencio?

Circus es un grupo madrileño formado en 1998, bajo el nombre de Contradiction, con la idea inicial de emular los sonidos afterpunk de principios de los 80´s, destacándose como influencias bandas como Bauhaus o Killing Joke.

En su primera etapa realizan varias actuaciones, de las que caben destacar las realizadas como teloneros del grupo americano Christian Death. En los años siguientes y tras varios cambios en la formación, Circus (todavía bajo el nombre de Contradiction) graba dos demos y continúa actuando en diversas salas de la geografía española, para culminar teloneando al grupo holandés Clan of Xymox. En el verano de 2001 la banda colabora en un disco homenaje al fallecido cantante Rozz Williams.

En el 2002, la formación actual decide dar un paso hacia delante, adopta el nombre de Circus y, bajo la producción de Willy Vijande, evoluciona a un sonido personal con influencias más actuales, tales como Rammstein, Tool o Muse. Durante la segunda mitad del mismo año, la banda realiza un gran número de conciertos para dar a conocer al público su nueva propuesta musical.

El 2003 fue el año de confirmación de Circus, que ya empieza a abrirse un hueco en la estrecha escena musical actual. De este año hay que destacar que la banda ha sido finalista del trofeo Rock Villa de Madrid y su concierto como teloneros de Metallica en el Estadio de la Peineta en Madrid.

Actualmente, Circus ya ha lanzado su primer larga duración, bajo el sello Locomotive Music, con el que se están confirmando como una de las realidades más atractivas y sugerentes del panorama musical estatal.

En Marzo de 2004, salió su primer single(un suculento aperitivo para todo lo que vendrá después) y comenzaron una gira que los lleva por el circuito de clubes de toda España, viniendo incluso a Galicia en enero de 2005, momento en el que una desafortunada caida del cantante y guitarrista Pablo Giaretta le produce una lesión de tobillo que les obliga a suspender parte de la Gira.

Circus están sonando tan fuerte que han llegado a ser calificados como los "nuevos Heroes del Silencio", un piropo cuanto menos alagador para cualquier banda de rock.
Su primer disco(Circus-Circus) está inmerso en una atmósfera casi mística de sonidos duros pero a la vez aterciopelados, potentes guitarreos, letras melancólicas y al mismo tiempo tenebrosas que dotan al grupo ,ante todo, de un sonido particular. Circus suena a Circus.
Paradójicamente la excelente versión en castellano del clásico de David Bowie, Heroes, que han incluido en este disco, viene a hacer fuerza en lo anterior: ¿serán Circus los nuevos Heroes?... las comparaciones son odiosas, pero de todas formas, atentos a Circus.


[ Formación ]
Pablo Giaretta: voces, guitarras, piano
Sergio Patón: bajo
José R. Jiménez: batería

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